Molto tempo fa abbiamo strappato le viti dal loro habitat naturale. Rampicanti entusiasti, i loro tralci e viticci sono fatti per aggrapparsi a qualsiasi cosa trovino mentre crescono, avvolgendosi intorno ad alberi o altre piante in natura. Ma noi abbiamo trascinato le viti fuori dalla foresta e le abbiamo costrette in rigidi sistemi di allevamento, domando la loro crescita disordinata per ottenere un raccolto che servisse ai nostri scopi. Ora, però, c’è un movimento che mira a reintegrare alberi e piante nella viticoltura. 
 Cheval Blanc è uno dei più noti sostenitori dell’agroforestazione, che rappresenta una parte fondamentale del suo manifesto per un approccio moderno alla viticoltura. Augustin Fromageot – che oggi lavora a tempo pieno presso il Domaine Belargus in Anjou – è stato uno dei membri del team coinvolti nel progetto, durante il quale sono stati piantati oltre 4.000 alberi nella tenuta in due anni. Fino ad allora, Fromageot – geologo di formazione – aveva lavorato in Sud America, principalmente nel settore del cacao e del caffè, ma la vite lo stava chiamando. Il team trasformò la tenuta in una sorta di laboratorio – sperimentando diversi modi di integrare gli alberi: tra i filari, al posto dei filari, in boschetti, ai bordi o in qualsiasi altro modo si potesse immaginare di piantarli accanto alle viti, tutto monitorato da programmi scientifici per capire cosa funziona e cosa no. Ora fa qualcosa di simile a Belargus, gestendo la loro ampia riserva naturale e lavorando per aumentare la biodiversità della tenuta – impegnandosi a gestire il paesaggio, come lui stesso lo definisce. È un’eccessiva semplificazione suggerire che le viti siano passate direttamente da rampicanti selvatici a monocolture industriali. Storicamente, l’agricoltura era policolturale, e ogni piccola fattoria conteneva tutto ciò di cui una famiglia aveva bisogno – e spesso anche le viti ne facevano parte. Il sistema a pergola, per esempio, permetteva di piantare altre colture sotto le viti, mentre l’uso di alberi come traliccio vivente non era raro – spesso descritto come viti maritate, il metodo romano degli arbusta (prediletto, per esempio, da Plinio) – e coltivate insieme, culture en hautain, cultura mista o joualle. È quest’ultimo metodo, diffuso nel sud-ovest della Francia circa un secolo fa, che Cheval Blanc ha in parte riscoperto, sostituendo singole viti con alberi all’interno dei filari. L’aspetto è magnifico, ma comporta le sue complicazioni, limitando la meccanizzazione. È, come dice Fromageot, un modo “poetico” di integrare gli alberi. In Bolivia si trovano ancora viti allevate sugli alberi, nella Valle di Cinti (come nel progetto Jardín Oculto), anche se si tratta di esempi antichi – e oggi pochi pianterebbero viti in questo modo. È un metodo impraticabile per l’agricoltura moderna, che funzionava solo su piccola scala, ma è evidente che l’industrializzazione ha spinto le monocolture troppo oltre – e l’agroforestazione è uno dei modi con cui i produttori stanno cercando di rimediare ai danni causati. 
 Gli alberi sono straordinari sotto molti aspetti, ma possono avere un impatto enorme su un vigneto. La loro presenza fisica può influenzare il microclima – proteggendo la vigna da gelo, calore e vento, oltre a fungere da barriera fisica tra proprietà confinanti – impedendo che eventuali trattamenti indesiderati raggiungano le proprie viti. Aumentano la biodiversità – offrendo un habitat a insetti e animali, in particolare ai pipistrelli – e assorbono anidride carbonica. Riducendo l’erosione del suolo (con l’erosione dello strato superficiale che rappresenta una minaccia enorme per l’agricoltura mondiale) e aumentando la materia organica, migliorano anche la capacità del suolo di trattenere l’acqua – un vantaggio importante nelle regioni aride. Per Fromageot, gli alberi contribuiscono a creare resilienza nel vigneto, rafforzando le difese naturali delle viti e riducendo quindi il numero di trattamenti necessari. È facile guardare un elenco del genere e comprendere i principi in gioco. È chiaro che i benefici per l’ambiente sono molti – ma cosa significa tutto questo per il vino nel bicchiere? Potenzialmente, molto. Bastano cinque alberi per influenzare il microclima in un raggio di 100 metri; possono ridurre la temperatura di una parcella anche di 2-3°C, preservando l’acidità, riducendo l’alcol e mantenendo la precisione aromatica. Inoltre, proteggendo il vigneto da gelo o calore estremi e migliorando le riserve idriche del suolo, consentono una produzione più costante, tutti fattori fondamentali di fronte al cambiamento climatico – con condizioni meteorologiche più estreme e un riscaldamento globale crescente. 
 Naturalmente, non è così semplice come sembra. “Ci insegna un’immensa umiltà,” mi dice Fromageot quando inizio a parlargli del mondo dell’agroforestazione, e più specificamente della vitiforestazione. È perfettamente consapevole che l’agroforestazione sia diventata una parola di moda nel mondo del vino – improvvisamente molto trendy. Ma piantare e gestire alberi richiede molto lavoro. Innanzitutto, decidere dove e come piantarli è cruciale. La loro capacità di influenzare il microclima può essere sia positiva che negativa – con la possibilità di creare sacche di gelo, aumentare l’umidità, ridurre il flusso d’aria e quindi incrementare la pressione delle malattie. “Bisogna saper leggere il paesaggio,” spiega Fromageot. 
 Occorre anche decidere quale tipo di albero piantare, così come il portainnesto, assicurandosi che si integri con la viticoltura. La prima cosa che fa Fromageot quando avvia un progetto è visitare tutti i vivai locali per conoscere le varietà autoctone. Gli alberi da frutto sono comuni, ma – come nota – bisogna assicurarsi che abbiano un periodo di raccolta diverso da quello dell’uva per evitare conflitti; lui guarda a mele, pere e prugne in particolare, sottolineando quanto siano più impegnativi pesche e albicocche. In alternativa, aceri, frassini, gelsi, pioppi neri, carpini e tigli possono funzionare bene – essenzialmente alberi che condividono lo stesso tipo di micorrize (i microrganismi che si attaccano alle radici) delle viti. È importante evitare qualsiasi specie che possa contaminare il vino o inibire la crescita – come il noce, che produce una sostanza tossica, la juglone. Gli alberi hanno esigenze molto diverse rispetto alle viti, richiedendo attrezzature e competenze differenti per prosperare, con – per esempio – una fertilizzazione estesa per stabilirsi, poiché necessitano di terreni più ricchi. Ovunque vengano piantati, gli alberi occupano spazio che altrimenti potrebbe essere destinato alle viti, riducendo così la resa potenziale. Inoltre, è un processo lento: ci vogliono circa dieci anni perché gli alberi inizino a influenzare in modo significativo la viticoltura, afferma Fromageot. Tutto ciò richiede tempo e denaro – rendendo l’agroforestazione un lusso che non tutti i produttori possono permettersi, anche se Fromageot ritiene che gli alberi possano essere integrati in modo diverso per chi lavora su larga scala. 
 Alain Canet – agronomo e specialista in agroforestazione – sostiene che reintrodurre gli alberi sia cruciale per l’agricoltura. “Per alcuni suoli è già troppo tardi,” scrive. “Ma per la maggior parte, abbiamo ancora tempo per agire... In termini agroecologici, la transizione verso gli alberi è la transizione verso la vita.” Esistono molte ragioni scientifiche per favorire la vitiforestazione, ma per Fromageot ce n’è una più convincente: il paesaggio radica le persone in una geografia, in un luogo, e questo – sostiene – è essenziale per fare vino di qualità. La bellezza del paesaggio in cui si vive e si lavora ci aiuta a “trovare un senso nella vita”, mi dice. Romantico? Forse. Ma con la scienza a sostegno, è difficile non lasciarsi convincere che gli alberi traccino la via verso un futuro più sostenibile – nel vino, sì, ma anche nell’agricoltura in generale.

L'agroforestazione è l'ultima tendenza che sta conquistando il mondo del vino pregiato, ma perché? Abbiamo incontrato Augustin Fromageot di Domaine Belargus per scoprire perché gli alberi potrebbero essere la chiave per una viticoltura sostenibile.

Agroforestry is the latest trend to take over the world of fine wine – but why? We sat down with Domaine Belargus’s Augustin Fromageot to find out more

Trees and wine: exploring the world of vitiforestry

Mettere radici: il mondo della viticoltura

Il fuoristrada si ferma e scendiamo tutti – i due Jack Russell di Marco Pallanti (Bach e Masetto) aprono la strada mentre rotolano giù e dentro il vigneto di fronte a noi. I filari scendono lungo un pendio ripido, tre sottili triangoli che inclinano severamente fino a un punto, formando un anfiteatro naturale, e la torre iconica di Siena appena visibile all’orizzonte, 20km a sud. La CEO Lorenza Sebasti, il figlio suo e di Pallanti, Arturo, il nostro Buying Director Corentin Margier e io siamo in piedi nel vigneto Montebuoni di Castello di Ama, che dà il nome alla loro Riserva. È l’ultima tappa del nostro tour dei vari siti che compongono i 75 ettari di vigneti della proprietà. 
 Basta assaggiare i vini di Castello di Ama per capire che questo è un luogo speciale, ma naturalmente non c’è sostituto al mettere i piedi per terra, camminare tra i filari e vedere il sito di persona. Da quando quattro famiglie romane hanno riscoperto questo sito collinare negli anni ’70, è stato amorevolmente restaurato, con investimenti significativi nei vigneti e in cantina – e l’originaria tenuta di 55 ettari è cresciuta fino agli attuali 115 ettari (con 75 ettari di vigne e 40 di uliveti), per non parlare della vasta collezione d’arte che punteggia la proprietà. I vigneti sono distribuiti su quattro valli, con ogni sito entro un raggio di 1,5 chilometri dalla cantina a Gaiole-in-Chianti. Per l’enologo Pallanti, questa prossimità è una delle chiavi della qualità, non solo permettendo di comprendere davvero ogni sito, ma anche garantendo che il tempo tra la raccolta dell’uva e il suo arrivo in cantina sia minimo. Per ogni parcella, puntano ad avere l’uva in vasca in meno di due ore. La proprietà si trova tutta tra i 420 e i 530 metri sul livello del mare, sul lato più alto per la regione e un altro elemento definitorio per Castello di Ama, che conferisce ai loro vini grande freschezza e finezza. 
 Il fianco settentrionale della tenuta è La Casuccia, 16,1 ettari dominati da suoli argillosi pietrosi e circondati da muretti in pietra. Qui il “suolo ricco e grasso” (come lo descrive Arturo Pallanti) ospita principalmente Sangiovese, con una parcella storica di Merlot. Il “filetto” della proprietà, produce vini opulenti ed espressivi, e una Gran Selezione da singolo vigneto viene prodotta solo nelle annate migliori (come per Bellavista). Scendendo verso sud si arriva a San Lorenzo, che costituisce la base della omonima Gran Selezione, un vino prodotto ogni annata. Mentre le annate dal 1982 al 1990 sono state realizzate esclusivamente con uve di questo vigneto, si è evoluto per diventare un assemblaggio di parcelle – includendo in particolare uve da Bellavista e La Casuccia negli anni in cui non vengono prodotti. I suoli qui sono calcarei ma con abbondante scisto ricco di argilla – un sito che non ha gli estremi di Montebuoni, Bellavista o La Casuccia, ma riunisce alcuni dei migliori caratteri di tutti in 16,5 ettari. 
 Stretto tra San Lorenzo e Bellavista si trova L’Apparita, la speciale parcella di tre ettari di Merlot che sta dietro al primo – e a uno dei più iconici – Merlot della Toscana. Argilla, calcare e l’altitudine (500 metri) creano un vino che ha sia potenza sia freschezza. Il vicino Bellavista produce alcuni dei vini più potenti di Castello di Ama, eppure fini e floreali – ed è sede delle loro vigne più vecchie. Esposizione sud/sud-ovest, i suoi 22,5 ettari di vigne (circa l’80% Sangiovese, con il resto Malvasia Nera) godono del sole, poggiando su suoli ghiaiosi di argilla e calcare. Nelle annate migliori, producono una Gran Selezione da singolo sito da Bellavista (prodotta per la prima volta nel 1978) – un vino impressionante e longevo. L’ultimo pezzo del puzzle è Montebuoni – dove ci troviamo. Pallanti e Sebasti hanno acquistato questa fetta di vigneto di 14,7 ettari nel 1997, chiamandola come il villaggio di fronte. Arturo ci racconta di come da bambino una volta abbia provato a salire la pendenza in bicicletta – un errore che non ha mai più ripetuto. La pendenza qui è così drastica che anche scenderla con un pick-up mette a dura prova i nervi, lavorando dal pietrisco calcareo che sembra destinato a far slittare le ruote, fino al piede del vigneto più ricco di argilla. Qui le vigne sono divise tra Sangiovese (circa metà del sito), con Merlot, Cabernet Franc e Malvasia Nera – e i vini riflettono le pendici angolate del sito, appuntiti e tesi con una spina dorsale di acidità brillante. 
 Sono passati oltre 40 anni da quando Pallanti è arrivato in tenuta, e oltre 30 da quando Sebasti ha assunto il ruolo di CEO. Insieme hanno curato questa straordinaria proprietà, intrecciando i fili di questi vigneti speciali per creare vini che fissano il punto di riferimento per la regione. Nessuno dei due ha intenzione di andare in pensione a breve, ma ora Arturo è tornato per unirsi all’azienda di famiglia – aggiungendo un altro tassello al complesso patchwork che definisce questa tenuta piena d’anima. 
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Da tempo promuoviamo i vini del Castello di Ama, una tenuta che produce alcuni dei migliori vini del Chianti e della Toscana. Abbiamo visitato la proprietà per immergerci nel suo terroir speciale; qui vi accompagniamo attraverso il mosaico di vigneti.

Walking you through top Chianti Classico wine estate Castello di Ama’s terroir – visiting La Casuccia, San Lorenzo, L’Apparita, Bellavista and Montebuoni

Exploring Castello di Ama’s vineyards

Ricostruendo il puzzle del Castello di Ama

“It’s difficult when you don’t have vines, a winery, any equipment or money,” Stéphane Dief – co-owner and winemaker at Clos Manou – tells me. “You say you want to be a winemaker, but it is complicated. Our advantage, however, was being able to do exactly what we wanted.” Over the last 25 years, he and his wife Françoise have slowly grown their tiny estate in the northern reaches of the Médoc, beyond Saint-Estèphe, where they make wine that offers some of the best value in the region.  Saint-Christoly-Médoc – the miniscule village that is home to their domaine – is where Stéphane grew up, while Françoise is from less than 15km away. Although Françoise’s family had vines, neither she nor Stéphane were working in the production side of the business, but they fell in love with wine. Via his brothers-in-law – who worked at Ch. Mouton Rothschild and Ch. Rauzan-Sègla – Stéphane started tasting some special wines, buying older vintages at auction – and was soon determined to give it a go himself.  Together, the couple bought a mere 12 ares and produced their first vintage in 1998, 600 bottles that they labelled as Clos Manou – “Clos” because they felt it wasn’t grand enough to use “Château”, and “Manou”, Stéphane’s nickname. It was such a success that their hobby rapidly became a full-time gig and the duo left their day jobs in 2000.  In some ways it doesn’t sound like they were doing anything remarkable. They wanted to make attractive wines that reflected their site, and to do so with precision and care. Their ambitions were modest. And yet, for Bordeaux, their small-scale, hand-crafted approach was – and is – atypical.  They sought out specific parcels of old vines, those planted before clonal material became commonplace, favouring the natural complexity of massal selection. They chose to work only with high-density vineyards – around 10,000 vines per hectare, a point at which Stéphane feels the vines self-regulate, meaning there’s no need to green harvest and often less de-leafing required.  In principle, they are close to organic – however, in a bid to avoid dependency on copper, they use bio-controls that aren’t permitted under organics, specifically phosphonic acid. They don’t use any herbicides, insecticides or chemicals – but believe that copper, as a heavy metal that kills soil’s microbiome, is best used minimally, and they prefer to use something that doesn’t leave trace levels in the final wine.   Almost everything is done by hand, with 12 full-time employees working on the estate. There are no protocols or routines. “We do things by watching, observing our vines and drawing conclusions and echoing those conclusions the following year,” Stéphane says.  The 2003 vintage was a turning point. Robert Parker gave the wine 93 points – an incredible score for such a modest Médoc, writing that it was “better than many of the vintage’s ‘big’ names”, “drop-dead-gorgeous” and a “prodigious effort”. Given the critic was at his peak, his influence was significant – and suddenly Clos Manou was in enormous demand.  “C’est notre métier, mais notre passion aussi," Stéphane says – “It’s our profession, but it’s our passion too." That explains perhaps why, for 11 years, he didn’t take a day off. “My wife wasn’t very happy with me,” Stéphane tells me, laughing cheekily.   Today they have 18.5 hectares of vines, scattered between Saint-Christoly-Médoc and Couquèques, all within a three-kilometre radius. They sit across three different soil types – gravel over clay, limestone-clay and sand, with some sitting very close to the estuary itself. Stéphane thinks of them as three children – one of which, the gravel over clay, is naturally gifted. But just because the other two need a bit more work, doesn’t mean they are any lesser. There is, he says, no such thing as “un petit terroir”. One special parcel dates back to 1850. Planted before phylloxera swept through the region, it’s managed to survive thanks to its sandy soils. In certain vintages they make a special “Cuvée 1850” from the block.  Despite the vines averaging 45 years in age, the yields are generally good – sitting at around 50hl/ha. Stéphane emphasises that low yields don’t equate to better quality, necessarily – the balance of your vines is what matters most.  It’s undeniable that climate change has been a benefit here, beyond Saint-Estèphe, where once it was a struggle to ripen fruit. In 2018, Clos Manou had 15% alcohol – but, thanks to their clay soils, the pH was a vibrant 3.52, bringing great freshness to balance the wine. He’s still thinking about the long-term impact of the rising mercury, however, and experimenting with small portions of whole-bunch, inspired by the likes of Guillaume Pouthier at Les Carmes Haut-Brion. Stéphane feels that it can add tension and make the wines feel more dynamic, even on just 5% of the blend. “On est des vrais vignerons – comme il y a en Bourgogne," Stéphane tells me ("We are true vignerons – as there are in Burgundy"). Unlike larger properties where there are various directors who influence decisions – it’s just them deciding what to do. Despite looking further afield for their inspiration, he and Françoise don’t want to go against the grain of the region. “We want to be a bit unorthodox, but we are nevertheless Bordelais,” he says.  Clos Manou is, in essence, a family business. There’s nothing remarkable about their modest ways, but their freedom to start with a blank page has allowed them to create something that is no longer the norm. Inspired by the Bordeaux of yesteryear, everything is low-tech yet done with great precision. The wines are fresh and pure, yet distinctly savoury and earthy – with a natural intensity that points to their old vines. You can see the addition of larger oak and amphorae in more recent vintages, bringing more vibrancy. They are somehow rustic yet fine. Little has changed here since 1998; let’s hope that that remains the case, and the Dief family continue to craft humble expressions of Bordeaux that are very much extraordinary.  Browse all listings of Clos Manou or read more about Bordeaux 

At first glance, Clos Manou might seem run-of-the-mill. But this small estate in the Médoc is far from it. We sat down with Stéphane Dief to talk about how a hobby became his life, the freedom of a fresh start, and why his family’s wines are worth seeking out

We talk to Stephane Dief about his family estate in the Medoc, Clos Manou – one of Bordeaux’s best-value wines and best-kept secrets

Why Clos Manou is anything but ordinary

Anything but ordinary: Clos Manou

L’aria è fresca e frizzante, con quei cieli blu radiosi che solo la fine dell’inverno sa offrire. Sul crinale della collina di fronte a me, una troupe sta potando con scrupolo le viti di Cabernet Sauvignon più vecchie di Ch. Lafite Rothschild, le cui radici affondano in profondità nei preziosi suoli ghiaiosi che definiscono i vini del Premier Cru. A sorvegliare dalla spalla di un membro più giovane della squadra c’è Luís Pinto, assicurandosi che non vengano commessi errori mentre danno forma alle viti per il futuro, ponendo le basi non solo per il 2024, ma anche per le annate successive. 
 Con addosso una tuta blu navy dei Domaines Barons de Rothschild (d’epoca, purtroppo fuori produzione e non disponibile all’acquisto – ho chiesto), Pinto lavora nella tenuta da oltre 30 anni e oggi guida una delle squadre di vigneto. Come si può intuire dal nome, la sua famiglia è portoghese, sebbene lui sia nato e cresciuto a Bordeaux. In effetti, sua madre ha persino lavorato alla vendemmia a Lafite, e Pinto ha delle foto di se stesso bambino all’asilo in loco che il château aveva allora per i figli dei lavoratori – forse seminando i primi germogli della sua futura professione. 
 Come spiega Louis Caillard, direttore dei vigneti di Ch. Lafite Rothschild e Ch. Duhart-Milon, Pinto non è un’anomalia. Caillard dirige la squadra di 80 persone che lavora su entrambe le proprietà (gestite in modo identico per quanto riguarda le viti). La stragrande maggioranza del team è estremamente locale, proveniente da un raggio di 20 chilometri dal château, e una volta entrati nella squadra, pochi se ne vanno. Molto è cambiato nei tanti anni in cui Pinto ha lavorato su queste viti – offrendo una visione sul campo delle tendenze viticole. Ricorda un’epoca in cui si sradicavano siepi e alberi per far spazio alle viti, concentrandosi di più sulla resa, per poi tornare oggi al punto di partenza a ripristinare la biodiversità che esisteva prima. Oggi c’è una maggiore valorizzazione dell’arte e della vocazione del vigneron, o viticoltore – un ritorno alla gestione tradizionale del vigneto. 
 Guardando alla potatura, per esempio, Pinto spiega che non ci sono regole fisse: “Ogni persona pota una vite come desidera,” mi dice. Rispondono a ciascuna vite, alle sue esigenze, osservando il flusso della linfa e pensando al suo futuro a lungo termine, non solo alla stagione successiva. È un approccio molto Simonit&Sirch – anche se Pinto resta interdetto da tale suggerimento; per lui, è il modo in cui ha imparato a comprendere le viti. “Di fatto, tutto ciò che facciamo è pensare,” dice Caillard. “È sempre esistito; è solo che lo avevamo un po’ dimenticato.” 
 La sfida è insegnare questo tipo di approccio istintivo alla gestione di un vigneto. “Non seguo più una ricetta,” dice Pinto. Non è solo conoscenza ciò che cerca di trasmettere alla sua squadra, ma “un modo di pensare”, dice, che inevitabilmente deriva dall’esperienza, dal commettere errori e dall’imparare da essi. C’è una differenza drastica tra studiare la teoria su un libro e stare davanti a una vite, forbici alla mano. Certo, l’idea di sbagliare quando il vino ha la reputazione (e il prezzo) che ha Lafite potrebbe sembrare scoraggiante – ma è questo che distingue gli indirizzi di vertice. L’approccio scrupoloso alla qualità di Lafite, declassando ogni frutto che non soddisfi i suoi standard elevatissimi, è un lusso che non tutti i produttori possono permettersi. Per Pinto, è questa dedizione alla qualità e la visione di lungo periodo che lo hanno tenuto a Lafite per tutti questi anni. Ci sono molte proprietà che estirpano le viti una volta raggiunta una certa età, in nome di carichi di raccolto migliori, ma a Lafite la filosofia è vedere “fin dove possiamo portare la vite”, accompagnando le parcelle fino alla vecchiaia. 
 Il suo lavoro può essere ciclico, seguendo l’andamento annuale della vite, ma ci sono cambiamenti ogni anno – uno sforzo per evolversi e migliorare costantemente. Questo, forse, è ciò che – per me – è più interessante di Lafite. Non è solo la finezza e l’eleganza del suo Grand Vin di precisione a distinguere questa tenuta, ma il modo in cui ha silenziosamente cambiato il funzionamento di Bordeaux, spingendo avanti nella sua ricerca dell’eccellenza. 
 Da oltre un decennio, hanno Manuela Brando alla guida della loro Ricerca & Sviluppo; parlarle è affascinante, con prove su tutto, dalla biodinamica, ai portainnesti e ai trattamenti fino a coperture simili a ombrelli come metodo alternativo per combattere la peronospora. Se hanno successo, queste prove vengono trasferite al resto del vigneto – con una formazione che fa sì che la squadra non smetta mai di imparare. Proprio l’altro giorno, mi racconta Pinto, hanno fatto una sessione sull’agroforestazione – qualcosa che chiaramente lo appassiona. Pinto sembra rilassato, scherza leggermente con noi, ma è anche silenziosamente serio riguardo al suo lavoro, sapendo che ogni decisione presa in vigneto è fondamentale per la qualità del vino che alla fine uscirà dalla cantina. “Ogni decisione ha un impatto,” fa eco Caillard – “e, in realtà, nulla è semplice.” 
 Difficile che sia, Pinto è soddisfatto della progressione che ha visto nel corso degli anni. “Si riesce di nuovo a sentire un po’ il terroir,” dice. Il passaggio al biologico, la reintroduzione di siepi e alberi nel vigneto, che a loro volta hanno riportato una varietà di fauna – farfalle e coccinelle, per esempio, hanno trasformato la proprietà. In quanto apicoltore, è particolarmente consapevole dei fiori selvatici che ora sbocciano e delle api in abbondanza che attirano. Alla fine della giornata, però, non c’è alcuna magia, suggerisce, in ciò che fanno – è semplice: “Rispettiamo un po’ di più le viti.” 
 Con lo splendore di una tenuta come Lafite, un Premier Cru la cui reputazione è così immensa, è facile dimenticare il lavoro che avviene dietro le quinte. Ma, come sa fin troppo bene Caillard, “Non si può ottenere nulla di tecnico senza le persone; le persone sono la chiave di tutto ciò che facciamo.” Persone come Pinto, così chiaramente in sintonia con la propria vocazione, il luogo e le viti, sono ciò che rende davvero grande un vino – separando l’eccellente dall’eccezionale. Quando la nostra conversazione volge al termine, Pinto torna dalla sua squadra, la sua corporatura robusta che si allontana lungo il filare e il volto segnato dal tempo rivolto di nuovo al sole brillante, radicato in questo terroir quanto il Cabernet Sauvignon che lo circonda. 
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Mentre continuiamo a portarvi dietro le quinte dei migliori indirizzi di Bordeaux, il nostro ultimo articolo mette in luce Ch. Lafite Rothschild. Abbiamo incontrato uno dei suoi collaboratori, un vigneron che ha dedicato oltre 30 anni della sua vita alle vigne del First Cru.

Taking you behind the scenes at Ch. Lafite Rothschild to talk to one of the Bordeaux First Growth’s vineyard workers

The call of the vine – Ch. Lafite Rothschild

Il richiamo della vite: Ch. Lafite Rothschild

I am too disorganised to call myself a collector, but I often find myself thinking about the multiple meanings of collecting. I have a room full of books left unread from one year to the next, whose mute reproach I feel every time I am in their presence. I have half a dozen radios, from Marco Zanuso and Richard Sapper’s folding Brionvega TS502 to a Danish-made Beolit 707 from Bang & Olufsen, with its slide rule tuning device. I have a manual typewriter.  Most of us accumulate such random clutter. These were never possessions that were primarily about being useful – the Brionvega and the Beolit have long since been supplanted by a bluetooth speaker and a smartphone. They represent my membership of the design tribe.  The books carry other layers of meaning. My five years at university are on one shelf. The traces of the eight years I have spent writing a just-completed biography of Boris Iofan – Josef Stalin’s preferred architect – are spelled out in the titles of the books on another shelf. The typewriter was inherited from my father and it serves to remind me of childhood. The closest that I come to having a collection that a serious collector might acknowledge is in my chairs: a Rover chair that Ron Arad salvaged from a car, a Gio Ponti Superlegera, an Eames Lounger, a Harry Bertoia, George Sowden’s Palace chair from the 1983 Memphis collection and a deconstructed armchair designed by Rei Kawakubo. On a larger or smaller scale, humans develop complex relationships with their possessions that can go from the professionalism of full-blown collecting, to the casual significance of a row of junk shop finds on a mantlepiece. They can tell us a lot about ourselves. Marina Warner’s guide to the house in Hampstead, now run as a museum, in which Sigmund Freud spent the last year of his life, offers an arresting insight into the significance that collecting had for him. She describes the ranks of ancient bronze, ceramic and marble figures parading across the desk that Freud brought with him to London from Vienna where he no longer felt safe due to Nazi occupation in 1938. Certainly, they are beautiful, and mostly they are precious. Thanks to their association with Freud, even the few that have been established as 20th-century forgeries will have become valuable. Some are almost 4,000 years old and reflect the religious and political practices of the distant past. Others, such as Freud’s art deco cigar case, come less freighted with history. But as Warner says, “they were also tools of thought, the kitchen utensils of his imagination”.   The batterie de cuisine of psychoanalysis included Egyptian coffin masks from the Roman period, Chinese jade and gold brooches, Roman glass, a 2,500-year-old sphinx, sarcophagus lids, Babylonian cylinder seals and Egyptian heart scarabs, as well as a 19th-century neck rest from New Guinea, modern metal porcupines, and Balinese figures. The pieces in pride of place on his desk, placed in apparently random order, were his special favourites, a tiny fraction of his collection that had become permanent fixtures. From time to time, Freud made space for a few new acquisitions to get a look in. “A collection to which there are no new additions is really dead,” he told his biographer Ernest Jones. After a short interval, most of the new things would be moved into the glass-fronted cabinets positioned around his study, where they were placed in more organised groups than those standing on his desk. Greek sculptures went on a shelf together. A cluster of representations of the Egyptian god Horus were grouped on another.  In Freud’s lifetime, the collection was continually changing. Before his move to London, he toured Vienna’s antiquities dealers almost every week on the look-out for new finds. He was ready to exchange pieces for items he could not afford to buy, and was generous in gifting pieces to friends and pupils he thought would appreciate them. Freud also had no qualms about buying items that came on the market in questionable circumstances, in particular, from the unofficial excavations (sometime after 1906) at a Roman fort in Hungary.   Despite the important part it played in his life, Freud wrote very little about collecting. The nearest that he came to spelling out what drove his interest in fragments of ancient sculpture, was when he compared his own exploration of the unconscious minds of his patients to an archaeological excavation of an ancient city. “The psychoanalyst, like the archaeologist, must uncover layer after layer of the patient’s psyche before coming to the deepest, most valuable treasures.”  Freud was known to share his dining table with choice specimens to act as companions during a meal. “I must always have an object to love”, he confessed to his colleague and rival Carl Jung. When he was writing his book The Interpretation of Dreams in 1895, Freud spent the summer at Schloss Bellevue outside Vienna. He took a selection of what he called “my old grubby gods who take part in the works as paperweights for the manuscripts” with him.  Before Freud left Austria for England in 1938, his desk, his consulting room, and his study at Berggasse 19 were photographed by Edmund Engelman. Engelman’s 150 images helped Freud’s architect son Ernst to transpose the desk and its contents from a dark back room in a Viennese apartment to a sunlit Hampstead villa.  Like most collectors, Freud could never limit himself to a single field. Ronald Lauder the former MoMA chairman, for example, is known for the collection of Viennese modernism that forms the basis for his own museum, the Neue Galerie in New York. He also collects (in depth) in 15 other fields with little apparent connection between them. Lauder is fascinated by the work of the Japanese designer Shiro Kuramata. He has a collection of arms and armour going back to The Crusades, and another of World War Two memorabilia. He owns some of Egon Schiele’s finest works, as well as various 18th-century French artworks. Fellow collector Rolf Fehlbaum (head of Vitra) has one of the largest collections of modern chairs in the world, and gave Frank Gehry his first European commission to design a gallery for it, but he is equally fascinated by toy robots manufactured in Japan since 1937. He calls them tiny kinetic sculptures. Where possible, he acquires their original packaging too. Perhaps the best way to understand the psychology of collecting is to see it as a spectrum. At one end, it is about order and control. In a messy and uncontrollable universe, a collection offers at least a semblance of certainty. A collection of this kind is based on provenance, completeness and authenticity. An over-restored vintage Bugatti is less desirable to a collector than one in original condition.  Every previous owner, every detail of its making forms part of its record. A red Olivetti typewriter designed by Ettore Sottsass that once belonged to David Bowie was sold at Sotheby’s for US$65,000. You can buy one (that hasn’t been owned by Bowie) for US$750, which is still a lot of money for a piece of obsolete technology. Some collectors attempt to make patterns from the things that they acquire or, like jigsaw puzzlers, set out to complete a picture by locating every piece of a set. Some try to document the evolution of a species whether the subject of their interest is biscuit tins or the eggs of a particular type of bird. Some forms of collecting require the active engagement of the collector. Wildflowers need to be picked and dried quickly before they are pressed into a book. Butterfly collectors used macabre methods such as poison jars, or squeezing the thorax, to dispatch their prey without causing so much distress that they risk damaging delicate wings. At the other end of the spectrum, the accumulation of stuff by people who die alone in homes overwhelmed by stacks of ancient newspapers and tins of cat food, is a kind of sickness. It’s a condition that can overwhelm even the most celebrated of artists. In the last 17 years of his life, Andy Warhol filled a succession of cardboard boxes with a seemingly random accumulation of objects: taxi receipts, a vinyl Ramones single signed by Joey Ramone, a piece of an ancient, mummified foot, pastel-coloured corsets and a selection of metal dentures. Every time he had a full box, it was sealed and shipped off to storage in a warehouse in New Jersey. A typical box has 400 objects in it, some have as many as 1,200. Items in them include a piece of Caroline Kennedy’s wedding cake – Warhol seems to have been a regular guest at Kennedy weddings. He showed up 20 minutes after the wedding ceremony for Maria Shriver and Arnold Schwarzenegger had started, in the company of Grace Jones. He was in black leather, and wearing two wigs; she had on a huge green fur hat.   Warhol’s boxes are a collection of the uncollectable and the uncontrollable, which, thanks to the resources of the Andy Warhol Foundation, has been tamed after six years of work by a dedicated group of archivists and cataloguers. The Andy Warhol Museum in Pittsburgh has aestheticised the cardboard boxes. They sit on back-lit shelves in the museum to suggest that this is not a random collection of trash that Warhol never looked at, but, in the view of the museum, is in fact a time-based art piece, comprising at least 500,000 objects that took 30 years to complete. It presents a considerably less impressive sight than British Regency period architect Sir John Soane’s museum. The architect of the Bank of England put as much effort into adapting his Lincoln’s Inn Fields house (and subsequently the two adjoining houses) to display his Hogarth paintings, a sarcophagus and his architectural models, as he did to accumulating the collection itself. The Nobel prize-winning Turkish writer Orhan Pamuk’s novel, The Museum of Innocence is an eloquent exploration of the hoarding end of the collecting spectrum. What initially appears to be an account of a doomed love affair, quickly reveals itself as an exploration of the meaning of collecting. The story’s main protagonist Kemal starts acquiring things when his relationship with his lover Füsun is going well. When she drops an earring, he finds it and puts it to one side. As Füsun falls out of love with him, Kemal begins an increasingly desperate accumulation of objects that record their relationship. He picks up each of the cigarettes that she smokes. When she has stopped seeing him altogether, Kemal starts hanging around at her parents’ house and stealing pieces of cutlery that she might have used.  What makes Pamuk’s book particularly remarkable is that he acquired a house in Istanbul’s Beyoğlu district that had belonged to a Greek merchant in the Ottoman era, and transformed it into a physical Museum of Innocence. It is, of course, very far from innocent; everything inside it is a lovingly created fiction. The first thing that you see once you get inside, is a wall covered with 4,213 cigarette ends, each of them carefully annotated in Pamuk’s neat handwriting, with imaginary details of the time and place they were smoked. The rest of the house is full of equally carefully fabricated objects from cosmetics to movie posters that reflect Pamuk’s vision of the modernising Turkey of the 1970s. “I think getting attached to objects happens in traumatic times and love is a trauma,” Pamuk once said. “Perhaps when they are in trouble, people hoard things.”  When Pamuk gave me a tour of his museum, he told me about meeting Warhol’s archivist, and expressed his reservations about the significance of the boxes in Pittsburgh. “Hoarding objects reaches the level of collecting only when there is a story that unites them,” he said. But that is a novelist criticising another, less narrative art form. While Freud’s desk in Hampstead was always useable, if overcrowded, the desk in fashion designer Paul Smith’s office in Covent Garden is completely overwhelmed with a snowdrift of collected objects that sweeps over an office chair, down onto the floor, and back up to the shelves that line every wall. There are stacks of books and magazines, cameras and mountains of vintage cycling jerseys. There is an i-Mac computer, a gift from Jony Ive that Smith has never used. Computers aren’t Smith’s thing. In any case, it’s too late now, short of purging half the contents of the room: there is no way to get near it. There are toy tin cars, collections of bottles from Moroccan markets, a pink bicycle and a lot of rabbits. “I once said in an interview that seeing a rabbit brings me luck, and they haven’t stopped pouring in ever since,” explains Smith. Collecting began, as did so many things in Smith’s career, with his early enthusiasm for cycling. Growing up in Nottingham in the 1950s, there was a newsagent which occasionally had a copy of L’Equipe, which would portray the heroes of the Tour de France in their yellow jerseys in colour on the cover, but in sepia inside. He bought the magazine, fascinated by the images, even if he couldn’t read it. “I can remember once saying, ‘I really like Jacques Anquetil’ to my father, which baffled him, since none of our family had ever been abroad. I saved my pocket money so that I could upgrade the gears on my bike from Simplex to Campagnolo. The box it came in was as important to me as the gear itself.”  What attracted Smith to the Campagnolo box, along with stamps and matchboxes which he has in large numbers – not just in his office but at his Nottingham HQ where he has an archivist trying to make sense of it all – is the way that designers can say so much in such a tiny space. He showed me a Japanese book of matches produced for a Tokyo nightclub in the 1970s. “It so clearly says it’s ‘contemporary’. You can hear the jazz already.”  Despite the huge assortment of assembled objects, Smith is reluctant to describe himself as a collector. “I just have a large quantity of the same things,” he says, matter of factly. “In my head, a collector is someone who selects an item or a subject. They collect them because they know a lot about them. Maybe I have a little knowledge about cycling jerseys.  In the early 1980s, on my first trips to Japan and India, I just got a bit carried away. I bought lots of Japanese furniture. In India, for some reason, I bought 15 wardrobes, and a piece of furniture that doubled as a staircase with drawers.” Smith had them all sent home on the Trans-Siberian Express.  He suggests that his is a collection that has found him. “Things collect me,” he says. “For some reason I started to be sent things, and they still keep coming.” There is an individual who regularly sends Smith artefacts that come unwrapped but covered in postage stamps. Others send him letters, toys, books and even ancient packets of razor blades. One visitor took careful photographs of his office, and later sent him a precisely detailed model of his office, complete with its chaotic contents. Smith’s London home, where he lives with his wife Pauline, is much calmer. “The house is hers. I do have one room for my stuff, but it’s mostly at the office that I get to look at things.” In 1996, patron of the arts and barrister Jill Ritblat gave the V&A Museum the largest single donation of clothes in its history, more than 1,000 items. There are ski outfits in postmodern pastel shades from the 1980s, and challenging Japanese experiments from Yohji Yamamoto and Issey Miyake, as well as couture from Dior and Saint Laurent. There is work by Alexander McQueen, Biba, Mary Quant, and Christian Lacroix, Emanuel Ungaro and Victor Edelstein, and an evening outfit produced by a dressmaker based on an idea of Ritblat’s own design.  The early days of British fashion from the 1960s are represented by Foale and Tuffin, and Zandra Rhodes, and from the 1980s by Margaret Howell and Katharine Hamnett. There is tailoring from Tommy Nutter and work by Giorgio Armani. It is by no means a complete account of contemporary fashion, but it is certainly extensive, and like the personal wardrobe that it is, combines some very special pieces made for family occasions, with more everyday wear. The connecting thread of Ritblat’s collection is Ritblat herself. These were all pieces that she had bought to wear. They were not chosen like stamps, or old masters, or celadon vases to make a self-conscious collection, but were the result of a continuing sequence of choices over time. Taken together they are a reflection of her life as an English woman of a certain background, at a particular time in the country’s history. “I never saw it as a collection, it was more like my diary, though I have never had time to write a diary. Each piece brings back memories of when I wore it,” says Ritblat. She made her first donation to the V&A at the end of 1996, but kept back the things that she wanted to be able to go on using, and they formed the core of a donation to the Design Museum of another 400 items in 2013. Ritblat is ambivalent about fashion. As a child she was somewhat self-conscious about being dressed by her mother, who had studied fashion herself. She was relieved to be able to assume the camouflage of the complex uniform rituals of an English public school for girls in the 1950s. “I loved my school uniform at Roedean; we were expected to change our clothes four times a day, as chic as anything. Scratchy afternoon dresses, regulation school loafers, very nice blazers and pleated skirts.” As a student barrister, she found herself adopting the formal uniform of the legal profession, but then as a married woman began to build a wardrobe that reflected the life that she was leading. Later, when she was making her own choices, she was early to discover Miuccia Prada. “What you pick out is based on whether it suits you and on the zeitgeist,” she explains. Smith, Heseltine and Ritblat represent three very different approaches to collecting. For Smith, the unruly mountain of things in his office, is, like the collection on Sigmund Freud’s desk, part of the tools of his imagination, a source of imagery and ideas for his work as a designer. It’s also a means of establishing his personality. Heseltine’s garden is an investment of time, resources and creativity in the remaking of a place that speaks to the future using living organisms that will outlive us all. Ritblat’s clothes are a record of the full life of an individual. All of these collections provide insights into unique people, their lives and times. In their different ways all three reflect on the nature of collecting, and its ability to be a creative activity in itself. In a world in which technology threatens to abolish the material world altogether, objects have not lost their allure. Their physical condition marks the passing of time in ways that pixels and code cannot do. Collecting is the means all of us have to create histories of our times, and even more, of ourselves. This article was originally published in FONDATA, Issue Two. 

In order to explore the mindset of the collector, Deyan Sudjic shines a light on the collected objects of Sigmund Freud and Andy Warhol, and speaks to three British collectors to better understand what it is that makes collecting such a vital part of the human experience.

Exploring the mindset of the collector and why the act is a vital part of the human experience, with a focus on Sigmund Freud and Andy Warhol

FONDATA: Exploring the art of collecting 

 I Collect, Therefore I Am

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