Group CEO Patrick O’Connor reflects on Bordeaux 2025: a hot, dry and early vintage defined by small yields, precise viticulture, restrained winemaking and a new wave of estates delivering wines of real distinction.

Patrick O’Connor, Group CEO, explores Bordeaux 2025: a hot, dry, early vintage shaped by precision, small yields and standout wines.

Bordeaux 2025 en primeur: vintage overview      

Bordeaux 2025: vintage overview               

Albiera Antinori è la prima donna a prendere il timone dell'impero Antinori. E "impero" non è un'esagerazione per una dinastia che raggiunse la fama alla fine del XIII secolo, facendo fortuna nel commercio della seta e in seguito nel settore bancario. La famiglia produce vino almeno dal 1385, quando Giovanni di Pietro Antinori si iscrisse all'arte dei viticoltori di Firenze. Per fare un paragone, questo avvenne prima della stampa della Bibbia di Gutenberg, prima della caduta di Costantinopoli, prima che Cristoforo Colombo salpasse per le Americhe. 
Oggi, oltre sei secoli dopo, i Marchesi Antinori possiedono quasi 3.000 ettari di vigneti in 21 tenute (oltre a terreni dedicati a boschi, uliveti ecc.) sparse in tutto il mondo, ed è tra le aziende familiari più antiche al mondo (al decimo posto a livello mondiale). Un tempo parte dell'élite aristocratica italiana, la famiglia Medici potrebbe essersi estinta, ma gli Antinori – come i Ricasoli – esercitano ancora un'influenza significativa. 
Guardando Albiera Antinori sullo schermo, tuttavia, è difficile collegare questo pedigree alla donna di fronte a me. Ora 58enne, lei – insieme alle sue due sorelle – rappresenta la 26a generazione della famiglia. Pelle olivastra, rilassata e con un sorriso gentile, si rimette gli occhiali in testa una volta risolti gli inevitabili problemi tecnici, accomodandosi sulla sedia per la nostra videochiamata Zoom. Potrebbe essere una delle figure più influenti del vino italiano, ma non si direbbe. La vendemmia è appena iniziata mentre ci sediamo a parlare della sua famiglia e della sua eredità – un periodo che ricorda con affetto da bambina. È cresciuta a Firenze, ma ha trascorso weekend e vacanze a Bolgheri o alla Tenuta Tignanello nel Chianti, e il vino era semplicemente parte della vita. Alcuni dei suoi primi ricordi sono della vendemmia e del sorseggiare vino (diluito con un goccio d'acqua) durante la cena a Tignanello, riunita attorno al tavolo con il nonno, Niccolò Antinori, e il resto della famiglia. 
Fu quando Albiera finì la scuola che il vino passò in primo piano. Non sapeva ancora cosa volesse fare e – con la vendemmia al Castello della Sala che sarebbe iniziata di lì a poche settimane – suo padre, Piero Antinori, le suggerì di lavorare lì, in modo da guadagnare almeno un po' di soldi mentre cercava di capire come funzionasse la situazione. "Da quel momento in poi, è stata una specie di valanga", dice sorridendo. Una volta che l'uva era matura, i vini dovevano essere prodotti, c'erano vigneti da curare e piantare, e presto si ritrovò a viaggiare, raccontando al mondo i vini prodotti dalla sua famiglia. Era caduta nella tana del Bianconiglio. 
Si è mai interrogata sulla strada non intrapresa? No, è la risposta breve, mi dice, e ha potuto conciliare le sue altre passioni con il lavoro per Antinori. Prendiamo l'architettura: ha supervisionato la costruzione di 12 cantine durante il suo mandato, lavorando a stretto contatto con il team per sviluppare l'edificio perfetto per ciascuna. Ha preso ufficialmente le redini dell'azienda nel 2017, ma, essendo la primogenita, è quasi caduta nel ruolo di CEO. Potrà anche essere al vertice dell'albero genealogico, ma è un'azienda di famiglia in tutto e per tutto. Lavora a stretto contatto con le sue sorelle, entrambe vicepresidenti (Alessia supervisiona la vinificazione e Allegra gestisce i vari ristoranti dell'azienda). Anche il padre Piero, che ora si avvicina ai 90 anni, è ancora in ufficio tutti i giorni. 
Il nome Antinori è da tempo associato all'innovazione. Il nonno di Albiera, Niccolò, è stato uno dei primi a rivoluzionare il Chianti. Nel 1924, introdusse varietà bordolesi nel Chianti Villa Antinori di famiglia, un atto scandaloso all'epoca. Il cognato di Niccolò era Mario Incisa della Rocchetta, che piantò Cabernet Sauvignon nella Tenuta San Guido di sua moglie nel 1944. Inizialmente il vino veniva prodotto per la famiglia e gli amici, ma quando Piero Antinori (figlio di Niccolò e padre di Albiera) assunse la gestione dell'azienda di famiglia nel 1966, ne intuì il potenziale. Giacomo Tachis, l'enologo Antinori, iniziò a vinificare il vino e ad affinarlo in rovere francese nuovo. Nel 1971, Piero convinse lo zio a commercializzare l'annata 1968: nacque il Sassicaia, e il movimento dei Super Tuscan. Non passò molto tempo prima che Piero proponesse la sua proposta, lanciando la prima annata (1971) di Tignanello – un blend di Sangiovese e Cabernet della loro omonima tenuta nel Chianti Classico – nel 1978. A breve seguì Solaia (prodotto per la prima volta nel 1978). "L'equilibrio tra innovazione e tradizione è sempre qualcosa di molto delicato", afferma Albiera. Lo spirito rivoluzionario della famiglia sopravvive, ma è consapevole che la loro storia, la loro eredità e la loro tradizione rappresentano "una vera risorsa", da non trascurare nell'attuale mercato vinicolo globale. Mentre un tempo dovevano imporre al mondo il riconoscimento della qualità del vino italiano, ora la loro attenzione si concentra sulla celebrazione coltivare varietà locali e creare vini fedeli al loro terroir. Questo vale per tutte le loro tenute, non più solo in Toscana, ma dalla Puglia al Piemonte, e anche oltre, con proprietà in Cile e California (tra cui Stag's Leap Wine Cellars). In sostanza, tuttavia, la loro filosofia può essere riassunta in una parola, dice: qualità. 
La generazione successiva è già a bordo, con i figli di Albiera, Vittorio e Verdiana, che lavorano al suo fianco. Il loro percorso è stato completamente diverso: università, master e esperienza in cantine di tutto il mondo, un passo più consapevole nell'azienda di famiglia. Non c'era, tuttavia, modo di negare il loro destino. 
Essere un Antinori, dice Albiera, "significa una responsabilità verso le persone che lavorano con noi, verso la storia che abbiamo e verso la terra che coltiviamo... un impegno solido e costante nel fare le cose bene, nel fare le cose con intelligenza, nel fare cose che durino nel tempo". Dopo sei secoli di attività e un portfolio di tenute in tutto il mondo, questa responsabilità continua a crescere, ma è un dovere che gli Antinori sembrano particolarmente adatti a gestire. 
La nuova annata di Solaia (2022) è ora disponibile 
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Gli Antinori sono una delle famiglie più famose d'Italia. In occasione dell'uscita della nuova annata di Solaia, abbiamo incontrato Albiera Antinori, CEO e Presidente dell'azienda di famiglia, rappresentante di 26a generazione.

Sitting down with Albiera Antinori – CEO of Marchesi Antinori, company that created Super Tuscan Tignanello to find out more about their wine dynasty 

Talking to Albiera Antinori about the family’s wine empire 

L'impero Antinori

“Corriamo rischi ogni giorno,” mi dice Vanessa Martin. Se non sapessi che ci troviamo in una cantina, potresti pensare che Martin fosse una pilota da caccia, una vigile del fuoco o forse una doppiogiochista. Le due donne davanti a me, Martin e la sua collega Chantal Uldry, non incarnano necessariamente l’immagine dei temerari – ma tra le loro mani sono passate migliaia di bottiglie di uno dei vini più preziosi al mondo: Ch. d’Yquem. Non sarà questione di vita o di morte, ma questo liquido è così ambito che può sembrarlo. 
 L’unica tenuta di Sauternes o Barsac ad essere stata dichiarata Premier Cru Supérieur nel 1855, Ch. d’Yquem ha una lunga storia che risale al Medioevo. Il vino prodotto da questa proprietà, nel punto più alto di Sauternes, è stato elogiato per secoli. Fu gustato da personaggi come Thomas Jefferson nell’Ottocento, mentre Jay-Z e Beyoncé hanno fatto visita alla fine dello scorso anno. La proprietà e i suoi vini sono roba da leggenda, ricercati da appassionati e collezionisti di tutto il mondo. 
 La produzione di questo dolce nettare è meticolosa – le viti sono curate con attenzione durante l’anno, e l’uva viene raccolta solo se Madre Natura fornisce le condizioni giuste perché si sviluppi la botrytis cinerea, alias “muffa nobile”. Se tutto gioca a loro favore, con la giusta quantità di umidità e calore al momento opportuno, questo fungo si insinuerà nei grappoli, perforando la buccia, concentrando acidi e zuccheri negli acini, oltre a conferire i suoi distintivi aromi speziati e di marmellata d’arancia. La squadra di Yquem passerà tra i filari fino a sei volte, raccogliendo grappoli e acini singoli al giusto punto. Le rese sono minuscole, con all’incirca un solo bicchiere di vino prodotto da ogni vite. Una volta che l’uva è arrivata in cantina, pressata, fermentata e affinata in botte, con solo il meglio selezionato per l’assemblaggio finale, il vino deve essere imbottigliato ed etichettato – preparato per il suo debutto nel mondo. Ed è qui che entrano in scena Martin e Uldry, parte della squadra che garantisce che ogni bottiglia che lascia la proprietà sia degna del nome Ch. d’Yquem. 
 “Cerchiamo la perfezione,” mi dice Martin. Lavora nella tenuta da due decenni, avendo iniziato tra i vigneti prima di passare in cantina; ha lavorato con la storica enologa della proprietà Sandrine Garbay sulla vinificazione così come sull’imbottigliamento e l’etichettatura, e ora sotto l’attuale Maître de Chai Toni El Khawand. Martin, come Uldry, è del posto – e il vino è il mestiere della regione. I suoi genitori hanno lavorato tra le viti, così lei ha seguito le loro orme. Ma non le piaceva, trovava il ciclo annuale ripetitivo – fare le stesse cose anno dopo anno – e chiese di cambiare. “Questo lavoro, cambia ogni giorno,” mi dice del suo ruolo in cantina. “Vedo persone diverse ogni giorno; il mio lavoro cambia ogni giorno.” Osservare il lavoro della squadra è notevole. Sebbene oggi molto sia meccanizzato, tutto viene controllato da un membro umano del team. Martin preleva una bottiglia dalla linea per controllare un’etichetta, tira fuori un metro e sospira, prima di staccare con cura la retroetichetta e riapplicarla un millimetro più in alto sulla bottiglia. Guardo una loro collega allineare un righello contro una doppia magnum (tutti i grandi formati sono ancora etichettati a mano), riapplicando un’etichetta cinque volte per assicurarsi che sia perfetta. A un’altra postazione, una donna arrotola delicatamente ogni bottiglia in carta velina traslucida, avvolgendo ciascuna con lo stesso tocco leggero, prima di adagiarla con cura in una cassa. 
 Uldry era pronta a ritirarsi alla fine dello scorso anno, dopo 23 anni a Ch. d’Yquem. Come Martin, ha visto molti cambiamenti nella tenuta, con la sua evoluzione sotto LVMH (Louis Vuitton Moët Hennessy), che ha investito molto da quando ha acquistato la proprietà nel 1999. Ricorda quando lavavano le bottiglie a mano, e i macchinari erano molto più goffi – mentre ora l’operazione è molto fluida, con standard più elevati che mai. C’è stato un periodo in cui lo château faceva molto riconfezionamento – vecchie annate venivano rimandate per essere controllate, autenticate, colmate e reincorciate, oltre a essere eventualmente rietichettate, prima di essere rispedite a un negoziante o a un collezionista. Di conseguenza, sia Martin sia Uldry hanno visto bottiglie straordinariamente antiche e – per loro fortuna – hanno avuto la possibilità di assaggiarne alcune. Martin ha assaggiato la 1921, mentre l’esperienza di Uldry risale all’annata 1904 – vini che faticano a trovare le parole per descrivere. Ricordo Sandrine Garbay raccontarmi di una bottiglia dell’Ottocento che si trovava in una cantina in Spagna, ma fu accidentalmente rotta, e la squadra di sommelier chiamò urgentemente lo château, cullando la bottiglia mentre guidavano fino a Bordeaux, disperati di salvare il prezioso vino. “È motivo d’orgoglio che queste bottiglie vadano in tutto il mondo,” dice Uldry, quando chiedo della destinazione finale del vino che passa tra le loro mani. Sono ben consapevoli del valore del vino che maneggiano, dell’impatto di eventuali rotture e di quanto sia cruciale il loro ruolo. È, dopotutto, l’ultimo passo per queste bottiglie prima che lascino la tenuta, partendo nel mondo come ambasciatrici dell’eredità di Yquem. E molte delle bottiglie, se non la maggior parte, dell’annata 2021 (appena rilasciata) sopravvivranno a chi le ha realizzate. Come dice Martin, il loro lavoro non riguarda l’oggi – ma il domani: “Lo lasciamo alle generazioni che verranno.” 
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Per creare vini di livello mondiale serve un’attenzione maniacale ai dettagli, e questo vale anche per Ch. d’Yquem. Nell’ultima puntata della nostra serie dietro le quinte di Bordeaux, parliamo con chi garantisce che ogni bottiglia di oro liquido sia perfetta.

Exploring the art and craft of labelling each and every bottle of liquid gold from top Sauternes estate, Ch. d’Yquem – the world’s best sweet wine 

Gilding the future at Ch. d’Yquem

Doratura del futuro: Ch. d’Yquem

I am too disorganised to call myself a collector, but I often find myself thinking about the multiple meanings of collecting. I have a room full of books left unread from one year to the next, whose mute reproach I feel every time I am in their presence. I have half a dozen radios, from Marco Zanuso and Richard Sapper’s folding Brionvega TS502 to a Danish-made Beolit 707 from Bang & Olufsen, with its slide rule tuning device. I have a manual typewriter.  Most of us accumulate such random clutter. These were never possessions that were primarily about being useful – the Brionvega and the Beolit have long since been supplanted by a bluetooth speaker and a smartphone. They represent my membership of the design tribe.  The books carry other layers of meaning. My five years at university are on one shelf. The traces of the eight years I have spent writing a just-completed biography of Boris Iofan – Josef Stalin’s preferred architect – are spelled out in the titles of the books on another shelf. The typewriter was inherited from my father and it serves to remind me of childhood. The closest that I come to having a collection that a serious collector might acknowledge is in my chairs: a Rover chair that Ron Arad salvaged from a car, a Gio Ponti Superlegera, an Eames Lounger, a Harry Bertoia, George Sowden’s Palace chair from the 1983 Memphis collection and a deconstructed armchair designed by Rei Kawakubo. On a larger or smaller scale, humans develop complex relationships with their possessions that can go from the professionalism of full-blown collecting, to the casual significance of a row of junk shop finds on a mantlepiece. They can tell us a lot about ourselves. Marina Warner’s guide to the house in Hampstead, now run as a museum, in which Sigmund Freud spent the last year of his life, offers an arresting insight into the significance that collecting had for him. She describes the ranks of ancient bronze, ceramic and marble figures parading across the desk that Freud brought with him to London from Vienna where he no longer felt safe due to Nazi occupation in 1938. Certainly, they are beautiful, and mostly they are precious. Thanks to their association with Freud, even the few that have been established as 20th-century forgeries will have become valuable. Some are almost 4,000 years old and reflect the religious and political practices of the distant past. Others, such as Freud’s art deco cigar case, come less freighted with history. But as Warner says, “they were also tools of thought, the kitchen utensils of his imagination”.   The batterie de cuisine of psychoanalysis included Egyptian coffin masks from the Roman period, Chinese jade and gold brooches, Roman glass, a 2,500-year-old sphinx, sarcophagus lids, Babylonian cylinder seals and Egyptian heart scarabs, as well as a 19th-century neck rest from New Guinea, modern metal porcupines, and Balinese figures. The pieces in pride of place on his desk, placed in apparently random order, were his special favourites, a tiny fraction of his collection that had become permanent fixtures. From time to time, Freud made space for a few new acquisitions to get a look in. “A collection to which there are no new additions is really dead,” he told his biographer Ernest Jones. After a short interval, most of the new things would be moved into the glass-fronted cabinets positioned around his study, where they were placed in more organised groups than those standing on his desk. Greek sculptures went on a shelf together. A cluster of representations of the Egyptian god Horus were grouped on another.  In Freud’s lifetime, the collection was continually changing. Before his move to London, he toured Vienna’s antiquities dealers almost every week on the look-out for new finds. He was ready to exchange pieces for items he could not afford to buy, and was generous in gifting pieces to friends and pupils he thought would appreciate them. Freud also had no qualms about buying items that came on the market in questionable circumstances, in particular, from the unofficial excavations (sometime after 1906) at a Roman fort in Hungary.   Despite the important part it played in his life, Freud wrote very little about collecting. The nearest that he came to spelling out what drove his interest in fragments of ancient sculpture, was when he compared his own exploration of the unconscious minds of his patients to an archaeological excavation of an ancient city. “The psychoanalyst, like the archaeologist, must uncover layer after layer of the patient’s psyche before coming to the deepest, most valuable treasures.”  Freud was known to share his dining table with choice specimens to act as companions during a meal. “I must always have an object to love”, he confessed to his colleague and rival Carl Jung. When he was writing his book The Interpretation of Dreams in 1895, Freud spent the summer at Schloss Bellevue outside Vienna. He took a selection of what he called “my old grubby gods who take part in the works as paperweights for the manuscripts” with him.  Before Freud left Austria for England in 1938, his desk, his consulting room, and his study at Berggasse 19 were photographed by Edmund Engelman. Engelman’s 150 images helped Freud’s architect son Ernst to transpose the desk and its contents from a dark back room in a Viennese apartment to a sunlit Hampstead villa.  Like most collectors, Freud could never limit himself to a single field. Ronald Lauder the former MoMA chairman, for example, is known for the collection of Viennese modernism that forms the basis for his own museum, the Neue Galerie in New York. He also collects (in depth) in 15 other fields with little apparent connection between them. Lauder is fascinated by the work of the Japanese designer Shiro Kuramata. He has a collection of arms and armour going back to The Crusades, and another of World War Two memorabilia. He owns some of Egon Schiele’s finest works, as well as various 18th-century French artworks. Fellow collector Rolf Fehlbaum (head of Vitra) has one of the largest collections of modern chairs in the world, and gave Frank Gehry his first European commission to design a gallery for it, but he is equally fascinated by toy robots manufactured in Japan since 1937. He calls them tiny kinetic sculptures. Where possible, he acquires their original packaging too. Perhaps the best way to understand the psychology of collecting is to see it as a spectrum. At one end, it is about order and control. In a messy and uncontrollable universe, a collection offers at least a semblance of certainty. A collection of this kind is based on provenance, completeness and authenticity. An over-restored vintage Bugatti is less desirable to a collector than one in original condition.  Every previous owner, every detail of its making forms part of its record. A red Olivetti typewriter designed by Ettore Sottsass that once belonged to David Bowie was sold at Sotheby’s for US$65,000. You can buy one (that hasn’t been owned by Bowie) for US$750, which is still a lot of money for a piece of obsolete technology. Some collectors attempt to make patterns from the things that they acquire or, like jigsaw puzzlers, set out to complete a picture by locating every piece of a set. Some try to document the evolution of a species whether the subject of their interest is biscuit tins or the eggs of a particular type of bird. Some forms of collecting require the active engagement of the collector. Wildflowers need to be picked and dried quickly before they are pressed into a book. Butterfly collectors used macabre methods such as poison jars, or squeezing the thorax, to dispatch their prey without causing so much distress that they risk damaging delicate wings. At the other end of the spectrum, the accumulation of stuff by people who die alone in homes overwhelmed by stacks of ancient newspapers and tins of cat food, is a kind of sickness. It’s a condition that can overwhelm even the most celebrated of artists. In the last 17 years of his life, Andy Warhol filled a succession of cardboard boxes with a seemingly random accumulation of objects: taxi receipts, a vinyl Ramones single signed by Joey Ramone, a piece of an ancient, mummified foot, pastel-coloured corsets and a selection of metal dentures. Every time he had a full box, it was sealed and shipped off to storage in a warehouse in New Jersey. A typical box has 400 objects in it, some have as many as 1,200. Items in them include a piece of Caroline Kennedy’s wedding cake – Warhol seems to have been a regular guest at Kennedy weddings. He showed up 20 minutes after the wedding ceremony for Maria Shriver and Arnold Schwarzenegger had started, in the company of Grace Jones. He was in black leather, and wearing two wigs; she had on a huge green fur hat.   Warhol’s boxes are a collection of the uncollectable and the uncontrollable, which, thanks to the resources of the Andy Warhol Foundation, has been tamed after six years of work by a dedicated group of archivists and cataloguers. The Andy Warhol Museum in Pittsburgh has aestheticised the cardboard boxes. They sit on back-lit shelves in the museum to suggest that this is not a random collection of trash that Warhol never looked at, but, in the view of the museum, is in fact a time-based art piece, comprising at least 500,000 objects that took 30 years to complete. It presents a considerably less impressive sight than British Regency period architect Sir John Soane’s museum. The architect of the Bank of England put as much effort into adapting his Lincoln’s Inn Fields house (and subsequently the two adjoining houses) to display his Hogarth paintings, a sarcophagus and his architectural models, as he did to accumulating the collection itself. The Nobel prize-winning Turkish writer Orhan Pamuk’s novel, The Museum of Innocence is an eloquent exploration of the hoarding end of the collecting spectrum. What initially appears to be an account of a doomed love affair, quickly reveals itself as an exploration of the meaning of collecting. The story’s main protagonist Kemal starts acquiring things when his relationship with his lover Füsun is going well. When she drops an earring, he finds it and puts it to one side. As Füsun falls out of love with him, Kemal begins an increasingly desperate accumulation of objects that record their relationship. He picks up each of the cigarettes that she smokes. When she has stopped seeing him altogether, Kemal starts hanging around at her parents’ house and stealing pieces of cutlery that she might have used.  What makes Pamuk’s book particularly remarkable is that he acquired a house in Istanbul’s Beyoğlu district that had belonged to a Greek merchant in the Ottoman era, and transformed it into a physical Museum of Innocence. It is, of course, very far from innocent; everything inside it is a lovingly created fiction. The first thing that you see once you get inside, is a wall covered with 4,213 cigarette ends, each of them carefully annotated in Pamuk’s neat handwriting, with imaginary details of the time and place they were smoked. The rest of the house is full of equally carefully fabricated objects from cosmetics to movie posters that reflect Pamuk’s vision of the modernising Turkey of the 1970s. “I think getting attached to objects happens in traumatic times and love is a trauma,” Pamuk once said. “Perhaps when they are in trouble, people hoard things.”  When Pamuk gave me a tour of his museum, he told me about meeting Warhol’s archivist, and expressed his reservations about the significance of the boxes in Pittsburgh. “Hoarding objects reaches the level of collecting only when there is a story that unites them,” he said. But that is a novelist criticising another, less narrative art form. While Freud’s desk in Hampstead was always useable, if overcrowded, the desk in fashion designer Paul Smith’s office in Covent Garden is completely overwhelmed with a snowdrift of collected objects that sweeps over an office chair, down onto the floor, and back up to the shelves that line every wall. There are stacks of books and magazines, cameras and mountains of vintage cycling jerseys. There is an i-Mac computer, a gift from Jony Ive that Smith has never used. Computers aren’t Smith’s thing. In any case, it’s too late now, short of purging half the contents of the room: there is no way to get near it. There are toy tin cars, collections of bottles from Moroccan markets, a pink bicycle and a lot of rabbits. “I once said in an interview that seeing a rabbit brings me luck, and they haven’t stopped pouring in ever since,” explains Smith. Collecting began, as did so many things in Smith’s career, with his early enthusiasm for cycling. Growing up in Nottingham in the 1950s, there was a newsagent which occasionally had a copy of L’Equipe, which would portray the heroes of the Tour de France in their yellow jerseys in colour on the cover, but in sepia inside. He bought the magazine, fascinated by the images, even if he couldn’t read it. “I can remember once saying, ‘I really like Jacques Anquetil’ to my father, which baffled him, since none of our family had ever been abroad. I saved my pocket money so that I could upgrade the gears on my bike from Simplex to Campagnolo. The box it came in was as important to me as the gear itself.”  What attracted Smith to the Campagnolo box, along with stamps and matchboxes which he has in large numbers – not just in his office but at his Nottingham HQ where he has an archivist trying to make sense of it all – is the way that designers can say so much in such a tiny space. He showed me a Japanese book of matches produced for a Tokyo nightclub in the 1970s. “It so clearly says it’s ‘contemporary’. You can hear the jazz already.”  Despite the huge assortment of assembled objects, Smith is reluctant to describe himself as a collector. “I just have a large quantity of the same things,” he says, matter of factly. “In my head, a collector is someone who selects an item or a subject. They collect them because they know a lot about them. Maybe I have a little knowledge about cycling jerseys.  In the early 1980s, on my first trips to Japan and India, I just got a bit carried away. I bought lots of Japanese furniture. In India, for some reason, I bought 15 wardrobes, and a piece of furniture that doubled as a staircase with drawers.” Smith had them all sent home on the Trans-Siberian Express.  He suggests that his is a collection that has found him. “Things collect me,” he says. “For some reason I started to be sent things, and they still keep coming.” There is an individual who regularly sends Smith artefacts that come unwrapped but covered in postage stamps. Others send him letters, toys, books and even ancient packets of razor blades. One visitor took careful photographs of his office, and later sent him a precisely detailed model of his office, complete with its chaotic contents. Smith’s London home, where he lives with his wife Pauline, is much calmer. “The house is hers. I do have one room for my stuff, but it’s mostly at the office that I get to look at things.” In 1996, patron of the arts and barrister Jill Ritblat gave the V&A Museum the largest single donation of clothes in its history, more than 1,000 items. There are ski outfits in postmodern pastel shades from the 1980s, and challenging Japanese experiments from Yohji Yamamoto and Issey Miyake, as well as couture from Dior and Saint Laurent. There is work by Alexander McQueen, Biba, Mary Quant, and Christian Lacroix, Emanuel Ungaro and Victor Edelstein, and an evening outfit produced by a dressmaker based on an idea of Ritblat’s own design.  The early days of British fashion from the 1960s are represented by Foale and Tuffin, and Zandra Rhodes, and from the 1980s by Margaret Howell and Katharine Hamnett. There is tailoring from Tommy Nutter and work by Giorgio Armani. It is by no means a complete account of contemporary fashion, but it is certainly extensive, and like the personal wardrobe that it is, combines some very special pieces made for family occasions, with more everyday wear. The connecting thread of Ritblat’s collection is Ritblat herself. These were all pieces that she had bought to wear. They were not chosen like stamps, or old masters, or celadon vases to make a self-conscious collection, but were the result of a continuing sequence of choices over time. Taken together they are a reflection of her life as an English woman of a certain background, at a particular time in the country’s history. “I never saw it as a collection, it was more like my diary, though I have never had time to write a diary. Each piece brings back memories of when I wore it,” says Ritblat. She made her first donation to the V&A at the end of 1996, but kept back the things that she wanted to be able to go on using, and they formed the core of a donation to the Design Museum of another 400 items in 2013. Ritblat is ambivalent about fashion. As a child she was somewhat self-conscious about being dressed by her mother, who had studied fashion herself. She was relieved to be able to assume the camouflage of the complex uniform rituals of an English public school for girls in the 1950s. “I loved my school uniform at Roedean; we were expected to change our clothes four times a day, as chic as anything. Scratchy afternoon dresses, regulation school loafers, very nice blazers and pleated skirts.” As a student barrister, she found herself adopting the formal uniform of the legal profession, but then as a married woman began to build a wardrobe that reflected the life that she was leading. Later, when she was making her own choices, she was early to discover Miuccia Prada. “What you pick out is based on whether it suits you and on the zeitgeist,” she explains. Smith, Heseltine and Ritblat represent three very different approaches to collecting. For Smith, the unruly mountain of things in his office, is, like the collection on Sigmund Freud’s desk, part of the tools of his imagination, a source of imagery and ideas for his work as a designer. It’s also a means of establishing his personality. Heseltine’s garden is an investment of time, resources and creativity in the remaking of a place that speaks to the future using living organisms that will outlive us all. Ritblat’s clothes are a record of the full life of an individual. All of these collections provide insights into unique people, their lives and times. In their different ways all three reflect on the nature of collecting, and its ability to be a creative activity in itself. In a world in which technology threatens to abolish the material world altogether, objects have not lost their allure. Their physical condition marks the passing of time in ways that pixels and code cannot do. Collecting is the means all of us have to create histories of our times, and even more, of ourselves. This article was originally published in FONDATA, Issue Two. 

In order to explore the mindset of the collector, Deyan Sudjic shines a light on the collected objects of Sigmund Freud and Andy Warhol, and speaks to three British collectors to better understand what it is that makes collecting such a vital part of the human experience.

Exploring the mindset of the collector and why the act is a vital part of the human experience, with a focus on Sigmund Freud and Andy Warhol

FONDATA: Exploring the art of collecting 

 I Collect, Therefore I Am

È una mattina umida e nebbiosa quando arrivo ancora una volta nelle strade molto tranquille di Auxey-Duresses per il mio pellegrinaggio annuale a degustare la nuova Collezione Maison Leroy. Lo scorso anno Madame Lalou Bize-Leroy era a Monaco, quindi non vedo l’ora di rivederla e degustare insieme – proprio nel giorno del compleanno di sua figlia. Due cani corrono fuori per salutarmi con entusiasmo: il barboncino nero Nine di 13 anni e la Grand Basset Griffon Vendéen Olga di cinque anni, entrambi rapidamente tranquilli una volta consolati con qualche carezza gentile. Madame, nel frattempo, si trova dietro di loro, elegante e discreta come sempre. Parlando brevemente dello stato del mercato, ripete quanto la cosa più importante sia la felicità dei nostri clienti. Era al centro dei suoi pensieri quando ha deciso i vini per la collezione di quest’anno, dominata dalle annate 2017 e 2018, con il vino più vecchio del 2011. È bene variare un po’, mi dice. Dopo il rilascio estensivo della biblioteca dello scorso anno, con un turbinio di annate passate, quest’anno voleva dare ai più giovani la possibilità di brillare. Descrive il 2018 come un’annata più completa: c’è più vino, più materia rispetto al 2017; eppure il 2017 è più raffinato e delicato, in qualche modo più accessibile. Parliamo di cosa rende un vino un “grand vin” e lei dice: “La qualité, c’est les rendements.” (“La qualità, sono le rese.”) Prendendo l’Aligoté come esempio, spiega che raramente produrrà più di 20 hl/ha per l’Aligoté del Domaine Leroy e del Domaine d’Auvenay – e per lei questo è il limite per ottenere un vino di alta qualità. È impossibile fare un buon Aligoté a 40 hl/ha, sostiene – come sa bene degustando quei vini acquosi e diluiti. “Preferirei bere acqua,” confessa. Non è un segreto che il suo Aligoté sia speciale: e Gilles Desprez (braccio destro di Bize-Leroy) ricorda di essere rimasto una volta sbalordito da una bottiglia di 1999 D’Auvenay Aligoté servita in cieco – un vino che tutti intorno al tavolo avevano scambiato per un bianco Grand Cru. Non c’è miglior giudice di un vino della degustazione alla cieca – come ben sa Bize-Leroy. Ancora oggi, degusta tutto ciò che viene imbottigliato sotto l’etichetta Maison Leroy alla cieca. Recentemente stava assaggiando alcuni 2024 per la gamma e nota come sia facile trovare un eccellente Nuits-Saint-Georges o Gevrey-Chambertin, ma troppo spesso rimane delusa dai Vosne-Romanée e Chambolle-Musigny – faticando a scoprire vini in questi villaggi degni del sigillo di approvazione Leroy. La nostra degustazione inizia quest’anno con i rossi, partendo da una serie di 2018, assaggiati da sud a nord, “dans le sens de la Côte” (lungo la Côte), prima di passare ai 2017, poi a un 2016, un 2015, un 2012 e, infine, il vino più vecchio della collezione di quest’anno, un Nuits-Saint-Georges 2011. I bianchi includono un’appellation che degusta raramente e una che quasi mai entra nella gamma: Savigny-lès-Beaune Blanc. Il 2018 della collezione di quest’anno, tuttavia, è speciale – un vino che non saresti pazzo a chiamare Corton-Charlemagne alla cieca, mi dice. E (ovviamente) Bize-Leroy ha ragione: è sontuoso, con un livello di ricchezza e densità che supera di gran lunga quello di un semplice “village”. Con l’aria, si sviluppa ulteriormente, offrendo una complessità impressionante. Madame guarda Gilles: “Peccato che non abbiamo alcun Corton qui per fare un confronto,” dice. Gilles conferma che non ce n’è nessuno a portata di mano mentre lei considera il vino davanti a sé, prima di insistere – “Sei sicuro che non ne abbiamo qui?” Il messaggio è chiaro: Gilles dice che potrebbe essercene in un altro edificio e parte alla sua ricerca. Continuiamo a chiacchierare, degustando l’Auxey-Duresses 2018, un po’ timido dopo il Bourgogne Blanc 2018 (nelle sue parole: “il miglior Bourgogne Blanc che abbiamo mai avuto”) e lo splendido Savigny. Chiedo se ci sono vini che compra ogni anno – un’idea che rifiuta subito: non ha alcun contratto, ogni vino è selezionato esclusivamente per la sua qualità in quella specifica annata. Chiarisco che intendevo se ci fossero vigneti specifici che le piacciono particolarmente e che acquista anno dopo anno – e dice che sia Meursault Gouttes d’Or che Chassagne-Montrachet Morgeot sono certamente tra i preferiti, anche se tutto dipende da come hanno gusto. Gilles torna con una bottiglia senza etichetta, immediatamente riconoscibile dalla forma come Domaine Leroy. È senza fiato (merita qualche presa in giro, ma ha anche corso su e giù per 200 scalini per recuperare la bottiglia in questione). Il vino – un Corton-Charlemagne 2018 della proprietà – viene rapidamente aperto e servito. È tipicamente Leroy: il naso è leggermente smorzato, con un po’ di riduzione e le note di popcorn che spesso si trovano nei bianchi di Bize-Leroy. Al palato, questo è ciò che si definisce concentrato: raramente ho trovato tale concentrazione in un Corton-Charlemagne, anche nelle annate mature della Maison Leroy. Madame afferma che molti lo chiamerebbero rosso se servito totalmente alla cieca, data la sua “matière”. “Questo è un grand vin,” dice. Spiega quanto sia speciale il cru, in cima alla collina, sopra il suo Corton Renardes: “C’est un terroir à rouge.” (“È un terroir da rosso.”) Tornare al Savigny-lès-Beaune Blanc sembra un esercizio inutile dopo il Corton-Charlemagne – ma lo è lontano dal vero. Il Savigny ha beneficiato di essere stato ossigenato e lasciato aprirsi per un’ora. In effetti, non è affatto ridicolo paragonarlo al suo fratello maggiore. Anzi, Madame Bize-Leroy si sofferma su di esso, dicendo che trova il Savigny più equilibrato – il vino appare splendidamente stratificato, senza essere pesante o denso. È di gran lunga il miglior Savigny-lès-Beaune Blanc che abbia avuto la possibilità di assaggiare e – come dimostrato da questo confronto – potrebbe competere con molti Corton-Charlemagne. Naturalmente, il Corton-Charlemagne Domaine Leroy 2018 è ancora un bambino – un vino costruito per l’invecchiamento che avrà bisogno di anni prima di essere accessibile, e la stessa Bize-Leroy conferma che non sarà rilasciato a breve. Ha tutto per diventare un vino eccezionale in futuro, ma il Savigny è quello da bere ora. Questo è il mio decimo anno a FINE+RARE e sono relazioni come questa a definire la nostra attività: avere la possibilità di condividere un momento con una delle leggendarie produttrici di Borgogna, parlando apertamente e onestamente di due dei suoi vini, è davvero speciale. Alcuni sono veloci a liquidare Maison Leroy come “solo” l’etichetta négociant di Bize-Leroy, forse per ignoranza o per mancanza di esposizione alla gamma. Non posso fingere che questi vini siano economici, ma non posso nemmeno fingere che Madame Leroy sia come gli altri produttori. Il suo naso è straordinario, il suo accesso vastissimo, e i vini risultanti unici. Posso solo ammirare questa donna di 93 anni, il modo in cui descrive i suoi vini, la sua umiltà, per non parlare dei vini che portano il suo nome. Degustazione della Collezione Maison Leroy 2025 2018 Bourgogne Blanc: Il Bourgogne Blanc 2018 della Maison Leroy è estremamente espressivo. Quasi esuberante al naso, mostra concentrazione, mandorle tostate, succosa arancia sanguinella e verbena. Il palato è altrettanto impressionante – e sarebbe facile confonderlo alla cieca con un Meursault molto buono. Analogamente al suo corrispettivo rosso, il vino ha guadagnato profondità al palato rispetto all’ultima degustazione. È vivace ed espressivo, pur conservando quella caratteristica pienezza così piacevole. Madame Lalou Bize-Leroy mi dice che raramente, se non mai, ha avuto un Bourgogne Blanc di questo calibro – e a questo punto possiamo solo concordare! Bere 2025-2031. 2018 Meursault: Il Meursault 2018 della Maison Leroy è meno immediatamente espressivo del Bourgogne Blanc, degustato poco prima – ma non lasciatevi ingannare. Si percepisce la tensione e la serietà di questo vino, con accenni di mineralità affilata al naso. Al palato è concentrato e raffinato, ben bilanciato e sfaccettato, con una complessità cremosa. Rispetto al Bourgogne Blanc, questo è chiaramente di un altro calibro – un vino più aristocratico con maggiore densità. Pur essendo già accessibile, trarrà beneficio da altri tre-cinque anni in cantina per esprimere il suo pieno potenziale. Bere 2027-2035. 2018 Savigny-lès-Beaune Blanc: Il Savigny-lès-Beaune Blanc 2018 della Maison Leroy è ricco al naso. Deliziose note di brioche sono accompagnate da mela leggermente ammaccata e frutti agrumati più luminosi, con tocchi delicati di fior di limone. Man mano che il vino si ossigena, continua a guadagnare densità, strato dopo strato – creando un vino succoso e invitante. Al palato, il vino è immediatamente ricco e profondo – impossibile da confondere alla cieca con un semplice village. Ha la ricchezza tipica di un Corton-Charlemagne, perfettamente bilanciato tra potenza e tensione. È di gran lunga il miglior Savigny-lès-Beaune Blanc che abbia mai assaggiato e surclasserebbe molti Corton-Charlemagne presenti sul mercato. È già godibile ora, ma ha tutto per invecchiare senza sforzo. Bere 2025-2040. 2018 Auxey-Duresses: Proveniente da un terroir che a volte può essere un po’ troppo flamboyant o invasivo, l’Auxey-Duresses 2018 della Maison Leroy appare molto discreto dopo il Savigny-lès-Beaune. Con note di mandorle fresche e un accenno di riduzione al naso, è leggermente smorzato. Al palato, il vino mostra chiaramente la concentrazione dell’annata, pur rimanendo elegante e contenuto, con un accenno di pepe bianco. È delizioso ma avrà bisogno di qualche anno in più per essere accessibile. Bere 2028-2035. 2018 Bourgogne Rouge: Degustato l’ultima volta a febbraio 2022, il Bourgogne Rouge 2018 di Leroy mostra ancora un naso molto affascinante e delicatamente profumato, oscillante tra petali di rosa secchi e piccole bacche rosse, ma sembra aver guadagnato peso e densità. Mantiene una splendida acidità che bilancia la concentrazione dell’annata, il finale è pulito e vibrante. Una delle nostre versioni preferite della cuvée negli ultimi anni, giovane e già godibile, continuerà a evolversi positivamente per altri sette-dieci anni. Bere 2025-2035. 2018 Monthélie: Al naso, il Monthélie 2018 della Maison Leroy mostra bellissime note di viole avvolte in un mix di bacche rosse e nere, soprattutto ribes nero. Quegli aromi floreali puri e delicati si ritrovano anche al palato, accompagnati da tannini molto sottili, quasi con un accenno di dolcezza che fa venire l’acquolina. Un vino molto completo che eccelle in questa annata più calda: una splendida espressione di questo terroir che, per me, mostra l’eleganza di Volnay con una sensazione in bocca leggera. Bere 2027-2037. 2018 Volnay: Servito subito dopo il Monthélie 2018, il Volnay 2018 della Maison Leroy ha un naso leggermente più discreto. Profumato e tutto dedicato alla finezza, ma un po’ timido a questo stadio. Al palato c’è buona concentrazione e precisione, ma manca la freschezza e il mordente che ci si aspetterebbe a questo punto. Sicuramente elegante e raffinato, ma senza quel piccolo “twist” che arriverà con qualche anno in più in cantina. Bere 2028-2040. 2018 Savigny-lès-Beaune: Come il suo corrispettivo bianco, il Savigny-lès-Beaune 2018 della Maison Leroy potrebbe essere scambiato per un Corton alla cieca. Ha un naso concentrato e solare con profilo di frutta più scura. Anche al palato mostra densità: il vino è succoso e ricco, ma non pesante. È ben bilanciato, con tannini delicati e una finezza precisa. È succoso quanto accessibile. Bere 2027-2037. 2017 Gevrey-Chambertin: Uno dei punti salienti della Collezione Maison Leroy 2022 al momento del rilascio. Il vino ha mantenuto tutta la sua profondità, complessità e potenza, ma si è leggermente chiuso. È ricco di ciliegie scure dense, accenni di spezie dolci e sottobosco. Al palato offre una struttura generosa e equilibrata, avvolgente, anche se leggermente smorzata rispetto a tre anni fa. Offre comunque un finale molto lungo con note fresche persistenti. Un grand village Gevrey che avrà bisogno di qualche anno di cantina! Bere 2030-2040. 2017 Pommard: Il Pommard 2017 della Maison Leroy esprime il terroir, combinando more mature e profonde con accenni di ribes nero e un tocco di rusticità, bilanciato dalla freschezza e precisione dell’annata. Al palato ha struttura ferma ma delicata con tannini morbidi, muscolosi e vellutati. Degustato subito dopo i 2018, appare più accessibile (come spesso accade con i 2017). L’acidità guida il cuore del vino, conferendo sapidità e lungo finale. Bere 2025-2035. 2016 Santenay, Premier Cru, La Comme: Immediatamente espressivo, il Santenay Premier Cru La Comme 2016 della Maison Leroy proviene da un terroir sottovalutato, al confine meridionale di Chassagne-Montrachet. Il naso affascinante e sfaccettato oscilla tra lampone e ciliegia succosa con un accenno di liquirizia. Il vino avvolge la bocca; si percepisce la sostanza, con una texture delicata e raffinata. Mostra chiaramente la concentrazione dell’annata e le rese minuscole, ma tutto è avvolto in una bocca elegante – creando un vino di grande equilibrio. Bere 2025-2035. 2015 Chorey-lès-Beaune: Ricco al naso, il Chorey-lès-Beaune 2015 della Maison Leroy appare inizialmente timido, ma con un po’ di ossigenazione si nota quanto sia denso e saturo, con aromi di mirtilli maturi, more e un accenno di spezia (forse cannella). Al palato è concentrato con tannini avvolgenti e strati di frutti di bosco – lampone, fragola e mirtillo. Ha molto da dire e offrire, con un finale sorprendentemente persistente, ma beneficerà di qualche anno in più in cantina per esprimere tutto il suo potenziale. Bere 2028-2040. 2012 Côte de Nuits Villages: Realizzato con frutta proveniente da Nuits-Saint-Georges e Corgoloin, il Côte de Nuits Villages 2012 di Leroy è sempre un po’ chiuso al naso e leggermente austero. Ma è anche elegante e delicato, con note floreali che si combinano con aromi terziari. Al palato appare in una fase leggermente imbarazzante, molto denso con tannini morbidi e integrati, ma in qualche modo disgiunto tra frutti scuri e carattere terziario. Lo lascerei riposare qualche anno prima di ritornarci. Bere 2030-2040. 2011 Nuits-Saint-Georges: Finemente profumato, il Nuits-Saint-Georges 2011 di Leroy offre un naso delicato di frutti rossi misti sostenuti da note terrose, un po’ di pot-pourri e un accenno di spezie. Al palato è concentrato e affascinante, ma con l’aria si apre ulteriormente mostrando densità, ancora giovane per un village di 14 anni. Verso il finale si percepisce un accenno di rusticità che stimola l’acquolina. È lontano dalle aspettative austere che si potrebbero avere da questa combinazione di annata e appellation. Non ha ancora raggiunto il suo plateau di bevibilità, ma è perfettamente accessibile ora. Bere 2025-2040. La nuova collezione Maison Leroy sarà rilasciata presto: puoi vedere tutti i vini della collezione 2025 qui. Contatta il tuo Account Manager per registrare il tuo interesse.

Ogni anno, il nostro Direttore Acquisti e Partner Corentin Margier visita la Maison Leroy ad Auxey-Duresses per assaggiare le nuove uscite. Qui, racconta la sua degustazione con "Lalou", la leggendaria matriarca dell'impero Leroy.

Ahead of the release of the 2025 Maison Leroy Collection, we visit Lalou Bize-Leroy to taste with the legendary matriarch and winemaker 

Lalou Bize-Leroy: a living legend – Burgundy’s matriarch 

Lalou Bize-Leroy: una leggenda vivente

Cerbaiona is widely recognised as one of the top estates in Montalcino, but has been a little elusive of late. Under Diego Molinari’s stewardship, the winery achieved cult status, but the property was sold in 2015, and hasn’t released any Brunello since. The new owner Matthew Fioretti has added to the radio silence, requesting critics not to score the wines, believing “a softer and more inquisitive form of journalism and criticism might be better than the score bazooka”.  Production is so small that Fioretti doesn’t need to rely on critics to promote the wines, but Cerbaiona has been noticeably absent from recent rave reports on the 2016 vintage from the likes of the Wine Advocate and Vinous. Our woman on the ground in Italy, Annalisa Florian, is one of the few people to have tasted the about-to-be-released 2016 Brunello, the first under Fioretti. Fioretti and his team have overhauled the estate. It’s a brave decision to make such a clear break from the past with a winery of such repute, and testament to their commitment to quality. Due to massive restructuring, Fioretti decided to declassify all the wine made in 2014 and 2015 to Rosso di Montalcino. As he points out, “Several aspects of this wine had formed before taking over the business.” Despite the obvious success of the 2015 vintage, Fioretti commendably didn’t want to rest on Cerbaiona’s reputation. All the vineyards are located on the Cerbaiona hill, just northeast of the town of Montalcino, and neighbouring another Brunello icon, Salvioni. The success of Sangiovese grown on this specific site long predates the Brunello appellation, with vineyards located here for hundreds of years and the wine historically produced known simply as Cerbaiona. The soil is a distinct limestone shale infused with sand and, according to Fioretti, “Almost by doing nothing, you can make an exceptional wine at Cerbaiona. Its vineyard location is that special and unique.” Fioretti, however, wasn’t happy with doing “nothing”. While praising Molinari’s legacy, he felt the estate desperately needed modernising – with serious work to be done in the vineyard and winery. He is very much inspired by what he calls a “tectonic shift” in winemaking in Italy (and elsewhere) over the last 30 years, with a move towards precision viticulture and a more hygienic approach to winemaking. Fioretti sees this as a shift from winemaking as an “art form” to winemaking as “craftmanship”.  In his mind, it was the pioneering efforts of producers like Romano dal Forno in Valpolicella and Luciano Sandrone in Barolo who have shown what can be achieved in Italy with such an approach. Just after taking over Cerbaiona, Romano dal Forno commented to Fioretti, “I’ll tell you what I told Molinari: you can’t make great wine in a barn.” Until recently, the sacristy of the small chapel was the fermentation cellar. The chapel itself was used for wine storage, while the granary and old animal stables acted as barrel cellars. “Hardly a precision and hygienic environment for winemaking,” Fioretti quips. As for the vineyards, “The rootstocks and clones of all the plantings at Cerbaiona were not selection massale nor specially selected material.  It was simply what the nurseries were selling at the time,” says Fioretti. “By 2010, the knowledge that had been gathered around Sangiovese was incomparable to what was understood in the 1970s and '80s.” Fioretti knew they needed replanting with better clones and rootstocks.  He retained and harvested the oldest vineyards for four harvests, working with top agronomists. “We made many attempts to overcome the shortcomings of these rootstocks and clones (which tended to produce enormous bunches, especially in wet years). But we all agreed: the sooner we replanted, the better off Cerbaiona would be.” As such, they’ve embarked on a six-year replanting program, making significant changes. The original three hectares (of which one hectare was dedicated to Bordeaux varieties) have been completely replanted to Sangiovese. An additional hectare of olive groves located on the steepest slope (and Fioretti believes the finest of the estate) has also been replaced with vines. Where possible, vines have been planted at a higher density and Fioretti has also converted the property to organic viticulture. Finally, with the release of the 2016, we find ourselves on the eve of the first Brunello release from Cerbaiona since the 2013 vintage. Fioretti believes 2016 to have been the “perfect” growing season. “The Sangiovese produced is captivating and sumptuous,” he tells me – the latter something he feels isn’t common for the variety. The moderate summer temperatures, the correctly timed rain and dry harvest conditions saw the Sangiovese thrive. The result, says Fioretti, is “a wine with fragrant aromas and a strong acidic shoulder – a guarantee of ageing”. It was in fact the latest harvest in the last five years at Cerbaiona. In Fioretti’s opinion, the 2016 is “not very far from” the 2010 – a vintage he feels is definitive for Montalcino – and comparable to other top modern Brunello vintages such as 2006 and 2007. There is tremendous excitement about the 2016 vintage, as well as the long-awaited return of this much-loved Montalcino estate. The 2016 Cerbaiona will no doubt be constantly compared to the wines made under Molinari, and it will be a fascinating comparison considering the effects of vine material, age of vines, viticultural techniques and winemaking practices versus overriding terroir.  What is clear is that Fioretti has no interest in resting on the laurels of this cult estate, nor simply following the footsteps of his predecessor. From what we’ve heard, it sounds like his labour-intensive approach both in the vineyards and winery is having the desired effect, and Cerbaiona’s legacy is safe. Whatever happens, Fioretti’s clear philosophy is set to mark a new and exciting era for the estate. Browse our range from Cerbaiona or read more about the 2016 vintage in Montalcino

There’s been a buzz about the cult Montalcino estate Cerbaiona since it changed hands in 2015. Ahead of the release of the 2016 Brunello – the first under Matthew Fioretti’s ownership – we caught up with the new owner to find out more about how and why he’s transforming the property

Cerbaiona is widely recognised as one of the top wine estates in Montalcino, and now Fioretti and his team have overhauled the estate. We find out more 

A new era of Cerbaiona

Cerbaiona: a new era

Lisa Perrotti-Brown MW has caused quite the stir. In her Bordeaux 2021 en primeur report, her first for her new publication The Wine Independent, she scored some wines below 80 points – and just 20% made it above the 90-point mark. She’s a woman on a mission, determined to bring honour and integrity back to wine criticism. The Master of Wine and Robert Parker protégée stepped down as Editor-in-Chief of the Wine Advocate – the leading fine wine publication – last year. She was tired of what had become a corporate life. Michelin took over in 2019 and her time was increasingly spent in meetings, doing reporting, looking at corporate responsibility as well as managing her team and making sure everything was going to plan – a plan, she emphasises, that was not set by her. Most importantly, her senior position took her further away from what she really loved doing – writing about wine. “I love to sit down with winemakers and capture that story that is not on their website, that is not in their marketing material. Something that is real and raw. There is not enough of that,” she tells me. Her view is that it’s the story that makes wine “more than just a drink” – and that’s why people spend hundreds of pounds on a bottle. This storytelling is what she’s looking to do with her new, small outfit, The Wine Independent. Importantly she’s partnered with Johan Berglund – a professional photographer (whose beautiful images we've used here) – to bring those stories to life, with a modern platform that is a world away from most other critics’ sites (often “a wall of words”, she says). As the name of the new publication suggests, Perrotti-Brown is making a stand against publications that she feels no longer put the consumer first. Her inspiration is Robert Parker’s original operation – the Wine Advocate started as a small newsletter shared with friends. “Essentially a mom-and-pop shop”, she explains, getting back to basics, with minimal staff and no fancy office with big overheads. For her, the goal is simple: to publish timely – and honest – reports, allowing readers to search for wines easily and helping them to discover something new. She doesn’t hold back voicing her concerns about the state of wine criticism today. She’s damning, believing there’s a trend not just to overscore, but that it’s a strategy to gain influence, helping critics be quoted by retailers and wineries – and therefore benefitting from “free marketing”. “When you see people coming in one or two points above everyone else and they hang on and wait until other people’s reviews have come out… I mean, come on, it’s definitely happening,” she says. The compaction of scores, however, is what really riles her. Everything sits between 95 and 99 these days, she suggests. “Nobody dares to go to 100 and nobody dares to go below 90.” Perrotti-Brown is outspoken about critics for whom the tiny number of 100-point scores they hand out is a point of pride. “There are a lot of critics who are just too chicken-s**t to give 100 points,” she says. “If you know a wine is 100 points, it takes a lot of bravery to put it out there.” Some critics – such as James Molesworth of Wine Spectator – don’t believe that a perfect wine exists, and therefore never give 100 points. “Which is ridiculous!” says Perrotti-Brown. “Why use a 100-point scale, if you are not going to use the top?” Her fear is that scores will lose all relevance and meaning. Indeed, she notes that retailers don’t even reference who gave the score they quote. “You go into a shop these days and look at the shelf-toppers and it doesn’t even say whose score it is – it just says 97 points. Every wine is 97 points!”  Critics should be fighting for consumers, she argues, rather than ingratiating themselves with wineries. “I know it is difficult, because we are sat there right in front of the winemaker, listening to their stories and I think the impetus is to really feel for that person, but you can’t. You always have to see it from the consumer’s perspective – it’s what Bob [Robert Parker] always told me. You are working for them.”  Hence, therefore, the broad range of scores that she felt was inevitable for a vintage like 2021. It was, she admits, a difficult vintage to assess in the evolution of Bordeaux. She’s adamant that she hasn’t changed the way she scores: “It just happens to be the worst vintage Bordeaux has had for a very long time,” she explains. Perrotti-Brown refers back to Robert Parker’s original benchmark for 90 points – an “outstanding” wine, a wine that is complex and age-worthy. For her – tasting very widely across the region – the majority of 2021s don’t meet those criteria, but she’s quick to emphasise that wines scored in the upper 80s are very good wines. “I think there has become some stigma over the wines scoring in the 80s and I don’t know why,” she says. Again returning to Robert Parker’s original scoring crib-sheet, these are “good to very good” wines and that is where, she feels, the bulk of Bordeaux 2021 wines fall.  Looking back at Robert Parker’s own en primeur scores in trickier vintages (2007, 2013, 1996), he too was awarding many wines eighty-something points, sometimes less. While Perrotti-Brown accepts the technological advances in viticulture and vinification mean you would rarely see Classed Growth wines receiving less than 80 points today, it only emphasises just how challenging the 2021 vintage was in Bordeaux. Of course, the vintage also produced some surprises. Despite everything that happened climate-wise, there were a number of wineries that produced outstanding wines, even by Perrotti-Brown’s assessment. “Some wines were absolute trainwrecks and there are other wines that are wow… you can tell these people worked their tails off,” she says.  The critic was certainly surprised and disappointed by other reports on the vintage, particularly given she’d worked and trained some of the people behind them. “When I am looking at other peoples’ scores [for Bordeaux 2021], 60% or more of the wines scored 90 points and above and that is astonishing to me,” she says, both confused and outraged. “Some of these wines, they are giving the same score ranges as the 2018 and the 2019s – I mean how is that possible?” Her report is a statement of intent. Lower scores may mean The Wine Independent isn’t as widely quoted by the trade, but what matters to Perrotti-Brown is whether consumers trust the publication. It’s a long-term game. “Eventually I hope consumers will look at all these other scores and say, ‘But what did The Wine Independent say?’” Perrotti-Brown took a huge risk stepping down from what is undeniably the wine world’s most influential publication – but she is confident she’s made the right choice. Her need for autonomy was the impetus for her to set up on her own, and she’s found freedom on her own terms. It is still early days for The Wine Independent and, for now, Perrotti-Brown is their only reviewer – although she confirms an additional critic will be announced in the coming weeks. Competing against more established publications with an extensive database of tasting notes and scores isn’t easy – but Perrotti-Brown has established herself as a disruptor in the field. She’s lain down the gauntlet – daring her peers to put the consumer back at the heart of what they do. Read more Editorial

Lisa Perrotti-Brown MW is making a stand. The ex Wine Advocate Editor-in-Chief, trained by Robert Parker, believes that critics are at risk of losing relevance – and for good reason. We talk to the wine writer about why she’s fed up of scoring strategies and set up The Wine Independent.

Why the wine critic left the *Wine Advocate* to go her own way, determined to bring honour and integrity back to wine criticism.

Lisa Perrotti-Brown on why she left Wine Advocate

The voice of independence: Lisa Perrotti-Brown MW

It’s only April and he’s already traversed the globe hosting tastings, completed a harvest in Australia and now Egon Müller IV is finally home. His 18-year-old daughter is also back home in Wiltingen, unexpectedly: her A-level exams have been cancelled due to the Coronavirus pandemic and she has returned from her studies in London. It's uncertain times but the proximity to the border with France and Luxembourg has been a source of uncertainty for centuries. In fact, if it were not for the French army invading the region soon after the Revolution and taking the Left Bank of the Rhine river, the family estate would not have existed.  His great-great-great grandfather, Jean-Jacques Koch was a monk at a local monastery before the French came through in 1794, seized the church's property and auctioned it off. As a result, Koch bought his piece of the Scharzhof estate, met a woman, had seven children, whom he had to divide his land between thanks to Napoleon's law of inheritance, and the scene was set.  Whether the Scharzhofberg (Scharzhof hill) was considered as special as it is now when Koch made the acquisition is pure speculation. It was –and remains –an unusual site, as it has long been dedicated to vines whereas similar-sized properties were home to other crops and woods. Long ago, it was clear that the wines from the steep slate-rich soils of this high spot in the Saar were out of the ordinary, winning acclaim at international fairs including the 1900 Paris Exhibition and as far afield as St. Louis, USA.  However, the 20th century brought its troubles to the Müller's tranquil spot a few miles from the confluence of the Saar and Mosel rivers. Müller's father, Egon III, was born in 1919 and drafted into the German army for the duration of World War II, fighting as close to home as France and as far afield as Russia. His wife and her sister did their best to take care of the vineyard while he was away but when he returned for the 1945 vintage, they were able to make only 1200 litres of wine. "The weather was fantastic but there had been years of neglect: there were no workers, you couldn't buy sprays nor fertiliser,” says Müller IV.  Despite the challenges they faced, the family business was already 150 years into its existence and while all businesses face global uncertainty today, Müller says, "In terms of family businesses that have been going for many generations, we have a better chance than if you look at what's in your bank account.  In agriculture, you have to think about the long term."It's just as well the family has been so stoic in the face of adversity or the world would not have the thrill of its sweet, pure Riesling, whose sweetest wines leave even the most exacting of wine critics weak at the knees.  Neal Martin of Vinous described an unexpected encounter with the 1975 Scharzhofberger TBA: “Though the bottle is still on the other side of the room on its way to the dining table, I instantly register that it is a) exceedingly rare and extraordinarily expensive and b) already open for serving. The thought that goes through my head is: “Is that really what I think it is?” I was. The result. “It might well be the greatest Riesling that I have ever consumed.” Focusing on making tiny yields of botrytised wine on a steep slope was far removed from the main route Germany took in the last decades of the 20th century. The 1971 wine law classified quality on the basis of the sugar content of grapes rather than origin–and quality. "That law was probably the origin of German wine's misery," says Müller.  "The idea of terroir was disregarded...but now people are trying to bring back the [concept of] terroir -that's what the VDP classification is all about." A new generation of drinkers with no knowledge of Germany's wine law cock ups nor the 1985 glycol scandal gives Müller hope for the country's future and his one and only grape: Riesling. "When I took over the winery nobody wanted to drink it. It's becoming much better. That said, I still think Riesling is not like Chardonnay-something that everybody wants to drink – I don't see people going to a restaurant and saying 'I want a bottle of Riesling.'" The world's wine drinkers are hardly clamouring to fill their cellars with sweet wines either but this is a niche that Müller has nailed."The style of wine we make here is really unique and it’s quite impossible to make it anywhere else. When you have something so unique, you have to stick with it." However, Müller's wine has something over and beyond his fellow sweet wine producers.  "There are differences –there is nobody who is running the yields as low as we do. It’s not only because of old vines...you have a lot of small things that add up. The proof is in the glass: from QbA and Kabinett all the way up the fruit-sweetness scale Trockenbeerenauslese, the slatey Scharzhofberg offers a fine framework to carry any sweetness while the heavier soils of the four-hectare Braune Kupp vineyard, just north of the village, of Wiltingen makes a weightier, succulent style of Rieslings. "Inevitably there are better vintages than others but what makes a perfect season for him? “I have two kinds of perfect years: one is a classic no botrytis year like 2015 when everything is ripe and that’s very classic. But I also have the years when there’s botrytis like 2005 and 2010 and I’d say that the greatest wines come from those years.  When I was young there was always discussions between the proponents of 1971 vs 1972: ‘71 is non-botrytis, straight vintage, ‘72 is full-on botrytis. Ultimately it’s a personal preference.”When it comes to the more recent 2017 and 2018 vintages they too have their distinct personalities with the frost-bitten 2017 firm and austere; the warmth of the 2018 season shows through in its charm. The burning questions is how to get your hands on these gold-dust-like sweet wines? It’s an unusual route to market: a wine auction takes place in the city of Trier on the third weekend of September and individuals must register with an approved broker to bid for an allocation from the offered cask.  There are tiny quantities of his TBA available, sometimes the production volume is double digits of litres. However, Müller notes that global warming is increasing the quantity of botrytised wine: “We have had more success with these wines so we are producing slightly larger quantities and we are increasingly able to sell through ‘regular’ channels. ”The rarity value and the deserved aura that surrounds his wines means there will always be strong demand in the secondary market, which inevitably leads to articles about Müller’s Scharzhofberg TBA being the world’s most expensive Riesling. Greatness has never come cheap." Browse more Editorial 

Hailed as one of the world's finest Riesling producers with prices to match, the Müller family has never been afraid of a challenge from their first days as a vineyard owner under French occupation, through two World Wars and a wine system that awarded quantity over quality.

Egon Müller IV discusses family, the state of German wine and Riesling.

Egon Muller on Riesling wines

Egon Muller: The travails of Riesling royalty

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