Every now and then, the word ‘singularity’ is used to describe a particular wine that stands apart, for whatever reason, from other wines of its type. But just what is singularity, and how can wine express it? Wine writer Tamlyn Currin investigates.

What makes a wine truly singular? Tamlyn Currin explores the rare bottles that defy convention and challenge the rules of the wine world.

Searching for Singularity in wine

Searching for Singularity

“Il tempo è necessario“, mi dice Paul-Etienne Defaix. Dovrebbe saperlo: è la sedicesima generazione della sua famiglia a produrre vino a Chablis, e al Domaine Daniel-Etienne Defaix il tempo è tutto. 
Il vino viene prodotto al Domaine du Vieux Château (nome storico della proprietà, che ancora oggi compare sulle etichette) da otto secoli, e sotto la famiglia Defaix dal 1610. Tuttavia, molto è cambiato a Chablis negli ultimi 400 anni, e oggi la tenuta è l'ultimo baluardo dello Chablis di un tempo. 
La domanda di Chablis era in forte espansione negli anni '70 e i produttori hanno ridotto l'élevage (il tempo che il vino trascorre in botte o in vasca), imbottigliando, commercializzando e vendendo i vini prima. Questi vini moderni, spesso imbottigliati entro sei-dodici mesi, erano snelli e freschi, ma per il padre di Paul, Daniel-Etienne, erano deludenti: mancavano della complessità e della longevità dei vini che trascorrevano più tempo sui lieviti (le cellule di lievito morte). Daniel-Etienne decise di fare le cose in modo diverso, di tornare a produrre vino come facevano le generazioni passate, e la famiglia non si è più voltata indietro. 
In genere, il loro approccio è quello di lasciare che il vino sia – aspettare, osservare e aspettare ancora. La fermentazione avviene interamente con lieviti indigeni ed è particolarmente lenta, durando fino a sei mesi, mentre la fermentazione malolattica viene lasciata procedere secondo i suoi tempi, completandosi solo dopo un massimo di due anni. I loro vini Premier Cru trascorrono poi fino a nove anni sui loro lieviti fini, mentre per i Grand Cru possono arrivare fino a 15 anni, conservati a una temperatura fresca di 10-12 °C. Durante il lungo affinamento dei vini, avviene l'autolisi, ovvero la degradazione enzimatica delle cellule di lievito morte, o fecce. È lo stesso processo che avviene nello Champagne e in altri spumanti metodo classico invecchiati sui lieviti, ed è la chiave dello stile Defaix – e un tempo tradizionale – di Chablis, conferendo al vino un palato più rotondo e una complessità di pane e tostatura. È anche, per Paul, "la chiave per rivelare il terroir". Sebbene le piccole quantità di Grand Cru e Pinot Nero di Defaix vengano messe in rovere, la maggior parte dei vini viene invecchiata esclusivamente in acciaio inossidabile, il che significa che solo il luogo e il tempo si degustano in bottiglia. Una volta ritenuti pronti, i vini vengono imbottigliati e commercializzati. 
Invecchiando i suoi vini in vasche di acciaio inossidabile non per mesi, ma per anni, Defaix crea vini strutturati e complessi che vengono commercializzati solo al raggiungimento della finestra di consumo. È una ribellione, mi dice Paul, contro "una società del consumo rapido". 
Ora Paul è responsabile dei vigneti e della vinificazione della proprietà, sebbene suo padre sia ancora coinvolto nell'attività. Paul ha studiato a Beaune, maturando esperienza in una manciata di tenute – principalmente incentrate sul Pinot Nero – prima di tornare alla tenuta di famiglia, passando dalle vigne alla cantina. Come gli disse Daniel-Etienne, "Devi conoscere il tuo terreno, le tue viti, poi puoi fare il vino – e poi cercare di venderlo".
E, sebbene sia spesso lo stile di vinificazione a rubare la scena a Defaix, la tenuta vanta vigneti notevoli. La famiglia coltiva 28 ettari in totale. Ha due parcelle Grand Cru (0,15 ettari a Blanchot e 0,3 ettari a Grenouilles), ma sono i Premier Cru della proprietà ad aver costruito la sua reputazione, con quattro ettari ciascuno a Côte de Léchet e Vaillons. Da questi, producono tre vini: la loro Côte de Léchet, Les Lys e Vaillon. È importante notare che quest'ultimo è Vaillon, non Les Vaillons al plurale: la loro parcella si trova nel cuore storico di questo Premier Cru, prima della sua espansione nel 1976. Les Lys è un climat più fresco all'interno dei Vaillons più ampi, ed è spesso il nostro preferito della gamma, mentre la Côte de Léchet è decisamente ripida, con una pendenza del 45%. 
Gli ettari rimanenti sono in gran parte dedicati allo Chablis, il villaggio della tenuta, le loro Vieilles Vignes. Queste viti hanno tutte più di 45 anni, ma alcune sono molto vecchie, con radici proprie, sopravvissute alla fillossera e ora di 145 anni. Quando chiedo a Paul come questo mezzo ettaro sia riuscito a sopravvivere senza innesti, si ferma un attimo, prima di rispondere: "Penso che Dio preghi per queste viti". Raccolgono solo 15 hl/ha, ma producono frutti bellissimi ("Per la mia banca, è pessimo; per il mio vino, è perfetto!" scherza Paul) e ora vengono utilizzati per la selezione massale in tutta la tenuta. L'ultima parte della proprietà è una piccola porzione di Vaillons piantata a Pinot Nero, che viene imbottigliato come Bourgogne Rouge (poiché il terreno è classificato solo per la produzione di Chardonnay). Con una superficie inferiore a un ettaro, anche queste viti sono antiche, piantate nel 1900, e ancora sulle proprie radici. 
Le loro ampie cantine sono rifornite di annate precedenti, in affinamento accurato: una riserva di vino che attenua i capricci di ogni specifica stagione di crescita, proteggendole da drastici cali di resa, una minaccia costante a Chablis. Prendiamo il 2024, un'annata che è stata impegnativa in gran parte del nord Europa con le sue condizioni umide e l'elevata piovosità. La pressione del mare, ma a Chablis ha portato anche grandine che ha devastato vaste aree di vigneti, tra cui Vaillons. 
Il riscaldamento globale potrebbe aver facilitato la maturazione delle uve in questa regione marginale, ma ha anche favorito condizioni più estreme: alti e bassi che tengono i produttori in allerta. Ha anche, probabilmente, reso Chablis un po' meno Chablis. Con frutti più maturi, i vini sono meno rigidi, tesi e snelli. Le date di vendemmia sono inevitabilmente anticipate, osserva Paul, per preservare l'acidità e mantenere la struttura dello Chablis, ma sottolinea anche che il frutto richiede non solo la maturazione zuccherina, ma anche quella fenolica, per ottenere estratto secco e consentire ai vini di invecchiare. Per lui, lavorare con viti vecchie e basse rese è fondamentale, sia per la maturazione fenolica che per preservare lo stile di Chablis. 
L'annata 2014, la prima prodotta da Paul, è finalmente uscita dalla cantina, oltre un decennio dopo la sua produzione. È stata una lunga attesa, ma le soddisfazioni ritardate fanno parte della vita al Domaine Daniel-Etienne Defaix.

Per molti versi, il tempo si è fermato al Domaine Daniel-Etienne Defaix di Chablis. In occasione dell'uscita dell'ultima annata, abbiamo incontrato Paul-Etienne Defaix, la sedicesima generazione alla guida di uno dei più antichi indirizzi della regione.

Exploring this traditional Chablis estate and its top Premier and Grand Cru wines with 16th generation winemaker Paul-Etienne Defaix

Worth the wait, Domaine Daniel-Etienne Defaix’s Chablis wine

Vale la pena aspettare: i vini del Domaine Daniel-Etienne Defaix

Lebanon's lost legacy: viticulture Despite being more southerly than the great wine regions of Europe, the Beka'a’s elevated altitude on average around 1000m above sea level – means that it’s a full 10ºC cooler than Lebanon’s Mediterranean coastline. The climate is positively European with wet, often snowy winters and warm, dry summers. It’s very well suited to winemaking, a local craft that dates back millennia. Lebanon itself is geographically situated in the cradle of civilisation. It was here, even before
the Greeks and Romans emerged as dominant cultures in the Mediterranean, and the Canaanites (later known as Phoenicians), peace-loving traders from the Levant, established some of the earliest known well-organised cities: the trading ports of Byblos, Sidon and Tyre. Phoenician culture was at its peak between 1500 and 300BC – a period that saw them explore and dominate the Mediterranean, developing trade routes, setting up outposts and cities as far afield as North Africa (Carthage, now Tunis, Tunisia) and the Iberian peninsula (Gadir, now Cádiz, Spain). The word ‘Phoenician’ directly connects the people of the Levant with both an impressive entrepreneurial spirit and an awe-inspiring work ethic. More precisely, it is an exonym originating from ancient Greek that describes Tyrian purple. This highly prized dye was a major export of the Canaanite port towns, in particular Tyre, hence the name. The labour-intensive production of the colour involved collecting the mucous secretions of thousands of sea snails. 12,000 snails yield a paltry 1.5 grams of dye – which is why it was so highly prized and the clothes it coloured were reserved for royalty. Tyrian purple was not the only ingenious product that the Phoenicians exported. Their legacy also includes the invention of glass-blowing techniques, and the development of the very first abstract (non-figurative) writing system (from which the Greek alphabet was derived) is credited to the Phoenicians and their Canaanite ancestors. It was almost certainly developed primarily to keep records of sales and ultimately function as an essential accounting tool. We also have the Phoenicians to thank for the word ‘Europe’ – which comes from their word ‘Erob’ meaning ‘where the sun sets’. While it is thought that the world’s first-ever wine was made over 8,000 years ago in the Caucasus Mountains between the Black and Caspian Seas to the northeast of the Levant, it was the Phoenicians that produced, exported and made famous the ‘fragrant wines of Lebanon’ mentioned in the Bible’s old testament (Hosea 14:7). And with their grip on Mediterranean trade, they marketed it and exported it along with, crucially, the knowledge of how to make it. The agricultural treatises of Carthaginian writer Mago, (thought to be writing around 350 BC) were among the most important early texts in the history of wine to record ancient knowledge of winemaking and viticulture. It’s important to remember the function of wine in society in Phoenician times. It wasn’t just a drink. It was, rather like the Tyrian purple dye, complicated and labour intensive to make, exceptionally highly prized and valuable and not just because of how it tasted – but because of its effect and function.  Biomolecular Archaeologist Professor Pat McGovern at the University of Pennsylvania Museum is a specialist in fermented beverages and his research reveals more about wine in Phoenician life. “The wines of ancient Lebanon and Syria,” he says, “were much more than a technological marvel. They were the social lubricants to break down barriers, stimulate music and the arts and bring people together. They were the supreme religious symbol for prosperity and well-being, in life as well as death. And they were the medicines for dissolving and dispensing botanicals, to rest the weary, relieve pain and cure disease.” Taking their wine to the Pharoahs of Egypt and further west to Portugal to trade it for local silver and tin, Phoenician winemaking equipment has been discovered in Valepeñas in Spain. As Phoenicians established Cádiz (Spain) as early as 1100BC, it is most likely that Phoenician wines – not Roman wines – were the forerunners to sherry. Perhaps the most enduring legacy of these seafaring traders was, in fact, the propagation of ancestral grapevines from the Levant that ampelographers believe gave rise to several modern grape varieties in Europe. According to research published by the University of California-Davis on the Integrated Viticulture Online Database, the French wine grape Mourvèrde may have first been introduced to the wine region of Catalonia around 500BC. By 64BC, Seleucid Syria and Lebanon had been annexed to the Roman empire by emperor Pompey. Peace and prosperity followed as the people of Byblos, Tyre and Sidon were granted Roman citizenship. Trade boomed and new wealth generated from exports of cedar, pottery, jewellery, perfume, purple dye and wine to Rome, enabled an era of widespread construction and urban development. One of the building projects the Romans invested in at this time was the enhancement of the already millennia-old temple complex at Baalbek in the Beka'a Valley. At a site which the Greeks and the Romans referred to as Heliopolis 'the City of the Sun' (where Phoenician god Ba’al had once been worshipped), the Romans rebuilt and reconsecrated the temples to their gods Jupiter, Venus and Bacchus, gods of wine, fertility, ritual madness, festivity, dance and theatre. The 700-acre site remains, to this day, the largest and best preserved Roman temple complex anywhere in the Empire. How the ancients moved the 800-ton quarried stone blocks that form the base of the temples still baffles the world’s brightest engineers. The temple to Bacchus at Baalbek is a monument to the importance of wine in the region, and the site became a symbol of Lebanon itself in the 1960s, thanks to the cultural impact of the Baalbek International Festival. Established in the mid-1950s, the festival brought celebration, theatre, music and dance back to the site through performances by international music stars and, crucially, nurtured and celebrated home-grown talent, perhaps most famously Fairouz and the Rahbani Brothers who became huge stars in Lebanon and right across the Arab world. Lebanon’s potent winemaking heritage is not lost on the makers of Chateau Musar. Far from it. As well as its vineyards in the Beka'a, the winery also grows vines near Byblos and the Hochar family’s charismatic winemaker, Tarek Sakr, is as passionate about the history of the land as he is about the grapes he grows there. “Byblos has been known since Phoenician times as an exporter of cedar wood and wine,” he enthuses. “Vines were cultivated in the hills surrounding Byblos, fermented in stone vats dug into the landscape. Then, the wine was put in Canaanite jars (these were the predecessor of the Greek amphora – yes, Phoenicians invented these too), sealed with resin to stop oxidation, and taken to the harbour for export.” Tarek also tells of a recently discovered archaeological site in the village of Edde a few kilometres from Byblos. “The site suggests that most of the hills near the city have been growing vines for thousands of years. This makes sense as the place where our nearby vineyards are located, on a hill overlooking Byblos, is called Vines Passage. You can smell the history of winemaking here. This is undoubtedly the birthplace of viticulture.” While he has spent many years planting and tending to its vines as an integral part of the Musar winemaking process, Tarek’s knowledge of and connection to the land and its ancient traditions run even deeper than his many years of experience. The result of a DNA test found that he is genuinely of Phoenician descent. It would seem that when it comes to Lebanon’s unrivalled contribution to the world of wine, we still have much to thank the Phoenicians for. Explore more Editorial 

Most of Chateau Musar’s vines are grown in Lebanon’s Beka'a Valley, a fertile plain about 30km east of Beirut, situated between Mount Lebanon on the west and the Anti-Lebanon mountains to the east. 

Most of Chateau Musar’s vines are grown in Lebanon’s Beka'a Valley. We look into the viticultural legacy of the region and the impact of the cultural heritage

The wines of Lebanon

The wines of Lebanon: a phoenician phenomenon

I am too disorganised to call myself a collector, but I often find myself thinking about the multiple meanings of collecting. I have a room full of books left unread from one year to the next, whose mute reproach I feel every time I am in their presence. I have half a dozen radios, from Marco Zanuso and Richard Sapper’s folding Brionvega TS502 to a Danish-made Beolit 707 from Bang & Olufsen, with its slide rule tuning device. I have a manual typewriter.  Most of us accumulate such random clutter. These were never possessions that were primarily about being useful – the Brionvega and the Beolit have long since been supplanted by a bluetooth speaker and a smartphone. They represent my membership of the design tribe.  The books carry other layers of meaning. My five years at university are on one shelf. The traces of the eight years I have spent writing a just-completed biography of Boris Iofan – Josef Stalin’s preferred architect – are spelled out in the titles of the books on another shelf. The typewriter was inherited from my father and it serves to remind me of childhood. The closest that I come to having a collection that a serious collector might acknowledge is in my chairs: a Rover chair that Ron Arad salvaged from a car, a Gio Ponti Superlegera, an Eames Lounger, a Harry Bertoia, George Sowden’s Palace chair from the 1983 Memphis collection and a deconstructed armchair designed by Rei Kawakubo. On a larger or smaller scale, humans develop complex relationships with their possessions that can go from the professionalism of full-blown collecting, to the casual significance of a row of junk shop finds on a mantlepiece. They can tell us a lot about ourselves. Marina Warner’s guide to the house in Hampstead, now run as a museum, in which Sigmund Freud spent the last year of his life, offers an arresting insight into the significance that collecting had for him. She describes the ranks of ancient bronze, ceramic and marble figures parading across the desk that Freud brought with him to London from Vienna where he no longer felt safe due to Nazi occupation in 1938. Certainly, they are beautiful, and mostly they are precious. Thanks to their association with Freud, even the few that have been established as 20th-century forgeries will have become valuable. Some are almost 4,000 years old and reflect the religious and political practices of the distant past. Others, such as Freud’s art deco cigar case, come less freighted with history. But as Warner says, “they were also tools of thought, the kitchen utensils of his imagination”.   The batterie de cuisine of psychoanalysis included Egyptian coffin masks from the Roman period, Chinese jade and gold brooches, Roman glass, a 2,500-year-old sphinx, sarcophagus lids, Babylonian cylinder seals and Egyptian heart scarabs, as well as a 19th-century neck rest from New Guinea, modern metal porcupines, and Balinese figures. The pieces in pride of place on his desk, placed in apparently random order, were his special favourites, a tiny fraction of his collection that had become permanent fixtures. From time to time, Freud made space for a few new acquisitions to get a look in. “A collection to which there are no new additions is really dead,” he told his biographer Ernest Jones. After a short interval, most of the new things would be moved into the glass-fronted cabinets positioned around his study, where they were placed in more organised groups than those standing on his desk. Greek sculptures went on a shelf together. A cluster of representations of the Egyptian god Horus were grouped on another.  In Freud’s lifetime, the collection was continually changing. Before his move to London, he toured Vienna’s antiquities dealers almost every week on the look-out for new finds. He was ready to exchange pieces for items he could not afford to buy, and was generous in gifting pieces to friends and pupils he thought would appreciate them. Freud also had no qualms about buying items that came on the market in questionable circumstances, in particular, from the unofficial excavations (sometime after 1906) at a Roman fort in Hungary.   Despite the important part it played in his life, Freud wrote very little about collecting. The nearest that he came to spelling out what drove his interest in fragments of ancient sculpture, was when he compared his own exploration of the unconscious minds of his patients to an archaeological excavation of an ancient city. “The psychoanalyst, like the archaeologist, must uncover layer after layer of the patient’s psyche before coming to the deepest, most valuable treasures.”  Freud was known to share his dining table with choice specimens to act as companions during a meal. “I must always have an object to love”, he confessed to his colleague and rival Carl Jung. When he was writing his book The Interpretation of Dreams in 1895, Freud spent the summer at Schloss Bellevue outside Vienna. He took a selection of what he called “my old grubby gods who take part in the works as paperweights for the manuscripts” with him.  Before Freud left Austria for England in 1938, his desk, his consulting room, and his study at Berggasse 19 were photographed by Edmund Engelman. Engelman’s 150 images helped Freud’s architect son Ernst to transpose the desk and its contents from a dark back room in a Viennese apartment to a sunlit Hampstead villa.  Like most collectors, Freud could never limit himself to a single field. Ronald Lauder the former MoMA chairman, for example, is known for the collection of Viennese modernism that forms the basis for his own museum, the Neue Galerie in New York. He also collects (in depth) in 15 other fields with little apparent connection between them. Lauder is fascinated by the work of the Japanese designer Shiro Kuramata. He has a collection of arms and armour going back to The Crusades, and another of World War Two memorabilia. He owns some of Egon Schiele’s finest works, as well as various 18th-century French artworks. Fellow collector Rolf Fehlbaum (head of Vitra) has one of the largest collections of modern chairs in the world, and gave Frank Gehry his first European commission to design a gallery for it, but he is equally fascinated by toy robots manufactured in Japan since 1937. He calls them tiny kinetic sculptures. Where possible, he acquires their original packaging too. Perhaps the best way to understand the psychology of collecting is to see it as a spectrum. At one end, it is about order and control. In a messy and uncontrollable universe, a collection offers at least a semblance of certainty. A collection of this kind is based on provenance, completeness and authenticity. An over-restored vintage Bugatti is less desirable to a collector than one in original condition.  Every previous owner, every detail of its making forms part of its record. A red Olivetti typewriter designed by Ettore Sottsass that once belonged to David Bowie was sold at Sotheby’s for US$65,000. You can buy one (that hasn’t been owned by Bowie) for US$750, which is still a lot of money for a piece of obsolete technology. Some collectors attempt to make patterns from the things that they acquire or, like jigsaw puzzlers, set out to complete a picture by locating every piece of a set. Some try to document the evolution of a species whether the subject of their interest is biscuit tins or the eggs of a particular type of bird. Some forms of collecting require the active engagement of the collector. Wildflowers need to be picked and dried quickly before they are pressed into a book. Butterfly collectors used macabre methods such as poison jars, or squeezing the thorax, to dispatch their prey without causing so much distress that they risk damaging delicate wings. At the other end of the spectrum, the accumulation of stuff by people who die alone in homes overwhelmed by stacks of ancient newspapers and tins of cat food, is a kind of sickness. It’s a condition that can overwhelm even the most celebrated of artists. In the last 17 years of his life, Andy Warhol filled a succession of cardboard boxes with a seemingly random accumulation of objects: taxi receipts, a vinyl Ramones single signed by Joey Ramone, a piece of an ancient, mummified foot, pastel-coloured corsets and a selection of metal dentures. Every time he had a full box, it was sealed and shipped off to storage in a warehouse in New Jersey. A typical box has 400 objects in it, some have as many as 1,200. Items in them include a piece of Caroline Kennedy’s wedding cake – Warhol seems to have been a regular guest at Kennedy weddings. He showed up 20 minutes after the wedding ceremony for Maria Shriver and Arnold Schwarzenegger had started, in the company of Grace Jones. He was in black leather, and wearing two wigs; she had on a huge green fur hat.   Warhol’s boxes are a collection of the uncollectable and the uncontrollable, which, thanks to the resources of the Andy Warhol Foundation, has been tamed after six years of work by a dedicated group of archivists and cataloguers. The Andy Warhol Museum in Pittsburgh has aestheticised the cardboard boxes. They sit on back-lit shelves in the museum to suggest that this is not a random collection of trash that Warhol never looked at, but, in the view of the museum, is in fact a time-based art piece, comprising at least 500,000 objects that took 30 years to complete. It presents a considerably less impressive sight than British Regency period architect Sir John Soane’s museum. The architect of the Bank of England put as much effort into adapting his Lincoln’s Inn Fields house (and subsequently the two adjoining houses) to display his Hogarth paintings, a sarcophagus and his architectural models, as he did to accumulating the collection itself. The Nobel prize-winning Turkish writer Orhan Pamuk’s novel, The Museum of Innocence is an eloquent exploration of the hoarding end of the collecting spectrum. What initially appears to be an account of a doomed love affair, quickly reveals itself as an exploration of the meaning of collecting. The story’s main protagonist Kemal starts acquiring things when his relationship with his lover Füsun is going well. When she drops an earring, he finds it and puts it to one side. As Füsun falls out of love with him, Kemal begins an increasingly desperate accumulation of objects that record their relationship. He picks up each of the cigarettes that she smokes. When she has stopped seeing him altogether, Kemal starts hanging around at her parents’ house and stealing pieces of cutlery that she might have used.  What makes Pamuk’s book particularly remarkable is that he acquired a house in Istanbul’s Beyoğlu district that had belonged to a Greek merchant in the Ottoman era, and transformed it into a physical Museum of Innocence. It is, of course, very far from innocent; everything inside it is a lovingly created fiction. The first thing that you see once you get inside, is a wall covered with 4,213 cigarette ends, each of them carefully annotated in Pamuk’s neat handwriting, with imaginary details of the time and place they were smoked. The rest of the house is full of equally carefully fabricated objects from cosmetics to movie posters that reflect Pamuk’s vision of the modernising Turkey of the 1970s. “I think getting attached to objects happens in traumatic times and love is a trauma,” Pamuk once said. “Perhaps when they are in trouble, people hoard things.”  When Pamuk gave me a tour of his museum, he told me about meeting Warhol’s archivist, and expressed his reservations about the significance of the boxes in Pittsburgh. “Hoarding objects reaches the level of collecting only when there is a story that unites them,” he said. But that is a novelist criticising another, less narrative art form. While Freud’s desk in Hampstead was always useable, if overcrowded, the desk in fashion designer Paul Smith’s office in Covent Garden is completely overwhelmed with a snowdrift of collected objects that sweeps over an office chair, down onto the floor, and back up to the shelves that line every wall. There are stacks of books and magazines, cameras and mountains of vintage cycling jerseys. There is an i-Mac computer, a gift from Jony Ive that Smith has never used. Computers aren’t Smith’s thing. In any case, it’s too late now, short of purging half the contents of the room: there is no way to get near it. There are toy tin cars, collections of bottles from Moroccan markets, a pink bicycle and a lot of rabbits. “I once said in an interview that seeing a rabbit brings me luck, and they haven’t stopped pouring in ever since,” explains Smith. Collecting began, as did so many things in Smith’s career, with his early enthusiasm for cycling. Growing up in Nottingham in the 1950s, there was a newsagent which occasionally had a copy of L’Equipe, which would portray the heroes of the Tour de France in their yellow jerseys in colour on the cover, but in sepia inside. He bought the magazine, fascinated by the images, even if he couldn’t read it. “I can remember once saying, ‘I really like Jacques Anquetil’ to my father, which baffled him, since none of our family had ever been abroad. I saved my pocket money so that I could upgrade the gears on my bike from Simplex to Campagnolo. The box it came in was as important to me as the gear itself.”  What attracted Smith to the Campagnolo box, along with stamps and matchboxes which he has in large numbers – not just in his office but at his Nottingham HQ where he has an archivist trying to make sense of it all – is the way that designers can say so much in such a tiny space. He showed me a Japanese book of matches produced for a Tokyo nightclub in the 1970s. “It so clearly says it’s ‘contemporary’. You can hear the jazz already.”  Despite the huge assortment of assembled objects, Smith is reluctant to describe himself as a collector. “I just have a large quantity of the same things,” he says, matter of factly. “In my head, a collector is someone who selects an item or a subject. They collect them because they know a lot about them. Maybe I have a little knowledge about cycling jerseys.  In the early 1980s, on my first trips to Japan and India, I just got a bit carried away. I bought lots of Japanese furniture. In India, for some reason, I bought 15 wardrobes, and a piece of furniture that doubled as a staircase with drawers.” Smith had them all sent home on the Trans-Siberian Express.  He suggests that his is a collection that has found him. “Things collect me,” he says. “For some reason I started to be sent things, and they still keep coming.” There is an individual who regularly sends Smith artefacts that come unwrapped but covered in postage stamps. Others send him letters, toys, books and even ancient packets of razor blades. One visitor took careful photographs of his office, and later sent him a precisely detailed model of his office, complete with its chaotic contents. Smith’s London home, where he lives with his wife Pauline, is much calmer. “The house is hers. I do have one room for my stuff, but it’s mostly at the office that I get to look at things.” In 1996, patron of the arts and barrister Jill Ritblat gave the V&A Museum the largest single donation of clothes in its history, more than 1,000 items. There are ski outfits in postmodern pastel shades from the 1980s, and challenging Japanese experiments from Yohji Yamamoto and Issey Miyake, as well as couture from Dior and Saint Laurent. There is work by Alexander McQueen, Biba, Mary Quant, and Christian Lacroix, Emanuel Ungaro and Victor Edelstein, and an evening outfit produced by a dressmaker based on an idea of Ritblat’s own design.  The early days of British fashion from the 1960s are represented by Foale and Tuffin, and Zandra Rhodes, and from the 1980s by Margaret Howell and Katharine Hamnett. There is tailoring from Tommy Nutter and work by Giorgio Armani. It is by no means a complete account of contemporary fashion, but it is certainly extensive, and like the personal wardrobe that it is, combines some very special pieces made for family occasions, with more everyday wear. The connecting thread of Ritblat’s collection is Ritblat herself. These were all pieces that she had bought to wear. They were not chosen like stamps, or old masters, or celadon vases to make a self-conscious collection, but were the result of a continuing sequence of choices over time. Taken together they are a reflection of her life as an English woman of a certain background, at a particular time in the country’s history. “I never saw it as a collection, it was more like my diary, though I have never had time to write a diary. Each piece brings back memories of when I wore it,” says Ritblat. She made her first donation to the V&A at the end of 1996, but kept back the things that she wanted to be able to go on using, and they formed the core of a donation to the Design Museum of another 400 items in 2013. Ritblat is ambivalent about fashion. As a child she was somewhat self-conscious about being dressed by her mother, who had studied fashion herself. She was relieved to be able to assume the camouflage of the complex uniform rituals of an English public school for girls in the 1950s. “I loved my school uniform at Roedean; we were expected to change our clothes four times a day, as chic as anything. Scratchy afternoon dresses, regulation school loafers, very nice blazers and pleated skirts.” As a student barrister, she found herself adopting the formal uniform of the legal profession, but then as a married woman began to build a wardrobe that reflected the life that she was leading. Later, when she was making her own choices, she was early to discover Miuccia Prada. “What you pick out is based on whether it suits you and on the zeitgeist,” she explains. Smith, Heseltine and Ritblat represent three very different approaches to collecting. For Smith, the unruly mountain of things in his office, is, like the collection on Sigmund Freud’s desk, part of the tools of his imagination, a source of imagery and ideas for his work as a designer. It’s also a means of establishing his personality. Heseltine’s garden is an investment of time, resources and creativity in the remaking of a place that speaks to the future using living organisms that will outlive us all. Ritblat’s clothes are a record of the full life of an individual. All of these collections provide insights into unique people, their lives and times. In their different ways all three reflect on the nature of collecting, and its ability to be a creative activity in itself. In a world in which technology threatens to abolish the material world altogether, objects have not lost their allure. Their physical condition marks the passing of time in ways that pixels and code cannot do. Collecting is the means all of us have to create histories of our times, and even more, of ourselves. This article was originally published in FONDATA, Issue Two. 

In order to explore the mindset of the collector, Deyan Sudjic shines a light on the collected objects of Sigmund Freud and Andy Warhol, and speaks to three British collectors to better understand what it is that makes collecting such a vital part of the human experience.

Exploring the mindset of the collector and why the act is a vital part of the human experience, with a focus on Sigmund Freud and Andy Warhol

FONDATA: Exploring the art of collecting 

 I Collect, Therefore I Am

Entrare nella bottai­a della Ch. Smith Haut Lafitte è come fare un salto nel passato, pieno dell’odore del legno stagionato, di un fuoco aperto e degli stessi attrezzi che i bottai usano da secoli. Poche tenute hanno il lusso di un bottaio interno. Sebbene i produttori lavorino inevitabilmente a stretto contatto con le tonnellerie (aziende produttrici di botti, come François Frères, Stockinger e altre), avere un artigiano in loco, che lavora fianco a fianco con il team di cantina per creare botti esclusivamente per il proprio terroir è un’altra cosa. “È molto importante per la precisione del vino”, spiega il Cellar Master Yann Laudeho. 
 Florence e Daniel Cathiard, proprietari della tenuta di Pessac-Léognan, hanno costruito una bottaia in loco quasi 30 anni fa, nel 1995, e l’attuale bottaio, Yann Dez, lavora qui dal 2021. Il padre del nativo di Bordeaux era un metalmeccanico, e Dez è entrato nel mondo della fabbricazione delle botti del tutto per caso – aveva un amico tonnelier e si è aperta un’opportunità di lavoro al momento giusto. Prima che se ne rendesse conto, Dez aveva imparato il mestiere da alcuni dei migliori bottai del paese (incluso uno che ora realizza le botti a Ch. Margaux), passando 15 anni a lavorare sotto Didier Fesil. Fesil fu il primo bottaio della famiglia Cathiard nel 1995, poi fondò una piccola tonnellerie propria (Tonnellerie Bordelaise) ed è stato nominato il miglior “Maestro Bottaio” della nazione – due volte. In effetti, Fesil è ancora molto coinvolto nella tenuta, aiutando a scegliere il legno per le botti e consigliando su tutto ciò che riguarda la quercia; ed è stato Fesil a proporre Dez per il ruolo a Smith Haut Lafitte. “Non ci sono libri,” dice Dez, quando chiedo dell’arte della costruzione delle botti. “Si tramanda da tonnelier a tonnelier." Le prime testimonianze della bottaia come mestiere risalgono al 900 a.C. – con l’arte tramandata di generazione in generazione da allora. “Io continuo la tradizione,” dice Dez, chiaramente con un senso d’orgoglio per questa antica abilità artigianale. Ma con la polvere, il rumore e il lavoro fisico coinvolti, le scuole di tonnellerie, mi racconta Dez, faticano a reclutare giovani. È comune che i bottai abbiano problemi alle spalle e alle orecchie (a causa del martellare continuo) – e lo stesso Dez si è rotto un gomito. 
 In teoria, il processo può essere meccanizzato – ma Dez è chiaro su quanto sia importante lavorare a mano, e non solo per preservare quest’arte antica. “Sento col naso, percepisco la resistenza,” dice. Ogni botte, spiega, è diversa – con un numero di doghe leggermente diverso e una forma leggermente diversa, tutto adattato in base al legno con cui sta lavorando. Selezionare il legno giusto è fondamentale – “leggerlo”, spiega, osservando la grana per vedere dove ci sono potenziali punti deboli, capire dove si eserciterà la maggior pressione e collocare ogni doga di conseguenza, assicurandosi che nemmeno una goccia possa filtrare dalla botte finita. “È un lavoro che è sia fisico, sia al tempo stesso richiede pensiero,” dice Dez – e questa combinazione è gran parte del suo fascino per lui. È affascinante sentire come Dez parla delle botti; per lui, ognuna ha una personalità unica. Quando gli chiedo come sa di aver fatto una botte davvero buona, alza le spalle: “On le sent.” (“Lo senti.”) Mentre si tosta una botte, mi racconta, il profumo del fumo cambia, rilasciando aromi diversi – cosa che sento mentre lavora davanti a me. Sapere quando ha passato il tempo perfetto sul fuoco è il segreto – e riguarda più del semplice odore, è un istinto viscerale che non riesce del tutto a spiegare. 
 Smith Haut Lafitte approvvigiona quercia da una gamma di foreste, e prova continuamente legni di diverse foreste, tostature e fa degustazioni alla cieca, anche se – dopo oltre 25 anni – sanno cosa funziona per il loro vino e il loro terroir. Il Cellar Master Laudeho spiega che, per lui, Tronçais e Jupilles sono i migliori – “diamanti” che completano alla perfezione il loro sito. E l’equilibrio è la chiave; il legno lavora per il vino, non il contrario. 
 Sembra un lavoro solitario, commento, a martellare nella sua torre – ma non è qualcosa che lo disturbi. “Sono un po’ perfezionista,” mi dice. Avere solo se stesso su cui contare, e sapere di poter garantire che ogni botte soddisfi i suoi standard rigorosi, gli si addice. In effetti, non si accontenta nemmeno degli strumenti standard – la maggior parte se li costruisce da solo, progettati su misura per adattarsi al suo modo di lavorare. Mi descrive un martello specifico che ha realizzato, e come gli consente di lavorare meglio e con maggiore precisione, il manico in legno quasi setoso per le ore di utilizzo, modellato sulla sua mano. Le uniche tecnologie elettroniche che si sono guadagnate un posto qui sono le cuffie con cancellazione del rumore e un altoparlante Marshall. Nel tempo libero è musicista, e un ulteriore vantaggio del lavorare da solo è che può passare tutta la giornata ad ascoltare musica. “Tutte le botti che ho fatto,” dice, “sono fatte con la musica.” Evita tutto ciò che è troppo moderno o elettronico, preferendo il vecchio jazz, con un po’ di reggae, ska jazz e funk nel mix, a seconda del giorno. Sebbene non senta che la musica che ascolta influenzi la sua attività di bottaio, sospetta che il suo umore lo faccia – e la musica ne è una parte importante. 
 La lavorazione del legno è molto più di un lavoro per Dez. Scorgo un bellissimo baule accanto al suo altoparlante, ed è uno che ha realizzato lui. Ha anche un laboratorio a casa, trascorrendo il tempo libero a costruire di tutto, dai supporti per chitarra e giocattoli ai lampadari – qualsiasi cosa, dice, che non sia dritta, e quindi non possa davvero essere fatta da una macchina. 
 È straordinario guardarlo lavorare – nello stesso modo in cui i bottai hanno fatto per secoli – con una naturale intuizione, facilità e precisione. C’è sicuramente qualcosa di musicale in tutto ciò, un mestiere che ha un suo ritmo. Realizza circa 300 botti all’anno, e forse non sono solisti – ma ognuna contribuisce con la propria nota alla sinfonia di quell’annata. 
 Esplora tutte le inserzioni attuali di Ch. Smith Haut Lafitte oppure leggi di più su Bordeaux

Le botti di legno riempiono la maggior parte delle migliori cantine del mondo e molte sono realizzate a mano. Proseguendo la nostra serie che vi porta dietro le quinte di Bordeaux, ci siamo intrufolati nella bottega di Smith Haut Lafitte per scoprire di più su questa speciale arte.

We visited Pessac-Leognan’s Smith Haut Lafitte to talk to the wine estate’s master cooper, Yann Dez – and find out all about the art of barrel-making

Meeting Smith Haut Lafitte’s Master Cooper

Lavorare a ritmo: Master Cooper di Smith Haut Lafitte

Molto tempo fa abbiamo strappato le viti dal loro habitat naturale. Rampicanti entusiasti, i loro tralci e viticci sono fatti per aggrapparsi a qualsiasi cosa trovino mentre crescono, avvolgendosi intorno ad alberi o altre piante in natura. Ma noi abbiamo trascinato le viti fuori dalla foresta e le abbiamo costrette in rigidi sistemi di allevamento, domando la loro crescita disordinata per ottenere un raccolto che servisse ai nostri scopi. Ora, però, c’è un movimento che mira a reintegrare alberi e piante nella viticoltura. 
 Cheval Blanc è uno dei più noti sostenitori dell’agroforestazione, che rappresenta una parte fondamentale del suo manifesto per un approccio moderno alla viticoltura. Augustin Fromageot – che oggi lavora a tempo pieno presso il Domaine Belargus in Anjou – è stato uno dei membri del team coinvolti nel progetto, durante il quale sono stati piantati oltre 4.000 alberi nella tenuta in due anni. Fino ad allora, Fromageot – geologo di formazione – aveva lavorato in Sud America, principalmente nel settore del cacao e del caffè, ma la vite lo stava chiamando. Il team trasformò la tenuta in una sorta di laboratorio – sperimentando diversi modi di integrare gli alberi: tra i filari, al posto dei filari, in boschetti, ai bordi o in qualsiasi altro modo si potesse immaginare di piantarli accanto alle viti, tutto monitorato da programmi scientifici per capire cosa funziona e cosa no. Ora fa qualcosa di simile a Belargus, gestendo la loro ampia riserva naturale e lavorando per aumentare la biodiversità della tenuta – impegnandosi a gestire il paesaggio, come lui stesso lo definisce. È un’eccessiva semplificazione suggerire che le viti siano passate direttamente da rampicanti selvatici a monocolture industriali. Storicamente, l’agricoltura era policolturale, e ogni piccola fattoria conteneva tutto ciò di cui una famiglia aveva bisogno – e spesso anche le viti ne facevano parte. Il sistema a pergola, per esempio, permetteva di piantare altre colture sotto le viti, mentre l’uso di alberi come traliccio vivente non era raro – spesso descritto come viti maritate, il metodo romano degli arbusta (prediletto, per esempio, da Plinio) – e coltivate insieme, culture en hautain, cultura mista o joualle. È quest’ultimo metodo, diffuso nel sud-ovest della Francia circa un secolo fa, che Cheval Blanc ha in parte riscoperto, sostituendo singole viti con alberi all’interno dei filari. L’aspetto è magnifico, ma comporta le sue complicazioni, limitando la meccanizzazione. È, come dice Fromageot, un modo “poetico” di integrare gli alberi. In Bolivia si trovano ancora viti allevate sugli alberi, nella Valle di Cinti (come nel progetto Jardín Oculto), anche se si tratta di esempi antichi – e oggi pochi pianterebbero viti in questo modo. È un metodo impraticabile per l’agricoltura moderna, che funzionava solo su piccola scala, ma è evidente che l’industrializzazione ha spinto le monocolture troppo oltre – e l’agroforestazione è uno dei modi con cui i produttori stanno cercando di rimediare ai danni causati. 
 Gli alberi sono straordinari sotto molti aspetti, ma possono avere un impatto enorme su un vigneto. La loro presenza fisica può influenzare il microclima – proteggendo la vigna da gelo, calore e vento, oltre a fungere da barriera fisica tra proprietà confinanti – impedendo che eventuali trattamenti indesiderati raggiungano le proprie viti. Aumentano la biodiversità – offrendo un habitat a insetti e animali, in particolare ai pipistrelli – e assorbono anidride carbonica. Riducendo l’erosione del suolo (con l’erosione dello strato superficiale che rappresenta una minaccia enorme per l’agricoltura mondiale) e aumentando la materia organica, migliorano anche la capacità del suolo di trattenere l’acqua – un vantaggio importante nelle regioni aride. Per Fromageot, gli alberi contribuiscono a creare resilienza nel vigneto, rafforzando le difese naturali delle viti e riducendo quindi il numero di trattamenti necessari. È facile guardare un elenco del genere e comprendere i principi in gioco. È chiaro che i benefici per l’ambiente sono molti – ma cosa significa tutto questo per il vino nel bicchiere? Potenzialmente, molto. Bastano cinque alberi per influenzare il microclima in un raggio di 100 metri; possono ridurre la temperatura di una parcella anche di 2-3°C, preservando l’acidità, riducendo l’alcol e mantenendo la precisione aromatica. Inoltre, proteggendo il vigneto da gelo o calore estremi e migliorando le riserve idriche del suolo, consentono una produzione più costante, tutti fattori fondamentali di fronte al cambiamento climatico – con condizioni meteorologiche più estreme e un riscaldamento globale crescente. 
 Naturalmente, non è così semplice come sembra. “Ci insegna un’immensa umiltà,” mi dice Fromageot quando inizio a parlargli del mondo dell’agroforestazione, e più specificamente della vitiforestazione. È perfettamente consapevole che l’agroforestazione sia diventata una parola di moda nel mondo del vino – improvvisamente molto trendy. Ma piantare e gestire alberi richiede molto lavoro. Innanzitutto, decidere dove e come piantarli è cruciale. La loro capacità di influenzare il microclima può essere sia positiva che negativa – con la possibilità di creare sacche di gelo, aumentare l’umidità, ridurre il flusso d’aria e quindi incrementare la pressione delle malattie. “Bisogna saper leggere il paesaggio,” spiega Fromageot. 
 Occorre anche decidere quale tipo di albero piantare, così come il portainnesto, assicurandosi che si integri con la viticoltura. La prima cosa che fa Fromageot quando avvia un progetto è visitare tutti i vivai locali per conoscere le varietà autoctone. Gli alberi da frutto sono comuni, ma – come nota – bisogna assicurarsi che abbiano un periodo di raccolta diverso da quello dell’uva per evitare conflitti; lui guarda a mele, pere e prugne in particolare, sottolineando quanto siano più impegnativi pesche e albicocche. In alternativa, aceri, frassini, gelsi, pioppi neri, carpini e tigli possono funzionare bene – essenzialmente alberi che condividono lo stesso tipo di micorrize (i microrganismi che si attaccano alle radici) delle viti. È importante evitare qualsiasi specie che possa contaminare il vino o inibire la crescita – come il noce, che produce una sostanza tossica, la juglone. Gli alberi hanno esigenze molto diverse rispetto alle viti, richiedendo attrezzature e competenze differenti per prosperare, con – per esempio – una fertilizzazione estesa per stabilirsi, poiché necessitano di terreni più ricchi. Ovunque vengano piantati, gli alberi occupano spazio che altrimenti potrebbe essere destinato alle viti, riducendo così la resa potenziale. Inoltre, è un processo lento: ci vogliono circa dieci anni perché gli alberi inizino a influenzare in modo significativo la viticoltura, afferma Fromageot. Tutto ciò richiede tempo e denaro – rendendo l’agroforestazione un lusso che non tutti i produttori possono permettersi, anche se Fromageot ritiene che gli alberi possano essere integrati in modo diverso per chi lavora su larga scala. 
 Alain Canet – agronomo e specialista in agroforestazione – sostiene che reintrodurre gli alberi sia cruciale per l’agricoltura. “Per alcuni suoli è già troppo tardi,” scrive. “Ma per la maggior parte, abbiamo ancora tempo per agire... In termini agroecologici, la transizione verso gli alberi è la transizione verso la vita.” Esistono molte ragioni scientifiche per favorire la vitiforestazione, ma per Fromageot ce n’è una più convincente: il paesaggio radica le persone in una geografia, in un luogo, e questo – sostiene – è essenziale per fare vino di qualità. La bellezza del paesaggio in cui si vive e si lavora ci aiuta a “trovare un senso nella vita”, mi dice. Romantico? Forse. Ma con la scienza a sostegno, è difficile non lasciarsi convincere che gli alberi traccino la via verso un futuro più sostenibile – nel vino, sì, ma anche nell’agricoltura in generale.

L'agroforestazione è l'ultima tendenza che sta conquistando il mondo del vino pregiato, ma perché? Abbiamo incontrato Augustin Fromageot di Domaine Belargus per scoprire perché gli alberi potrebbero essere la chiave per una viticoltura sostenibile.

Agroforestry is the latest trend to take over the world of fine wine – but why? We sat down with Domaine Belargus’s Augustin Fromageot to find out more

Trees and wine: exploring the world of vitiforestry

Mettere radici: il mondo della viticoltura

Xiao-Li Meng, professore di Statistica Whipple V. N. Jones a Harvard e fondatore e direttore responsabile di Harvard Data Science Review, si è lasciato ispirare da uno studente per combinare vino e statistica — ottenendo intuizioni ben oltre quanto entrambi si aspettassero.

From wine tastings to data science, Xiao-Li Meng explores how statistics reveals simplicity in complexity – one glass, experiment, and insight at a time.

Wine, statistics & serendipity: A Harvard journey

Semplicità nelle statistiche, complessità nel vino, il resto nei biscotti della fortuna.

From a backwater in southern Catalonia, Priorat took its rightful place on the world wine map in the early 1990s. Its meteoric rise to fame was propelled by low-yielding, old Cariñena and Garnacha vines clinging to precipitous and ancient slate slopes. The best producers including Mas Doix, Alvaro Palacios and René Barbier were making wines that were turbo-charged: rich, ripe and powerful yet zinging with vibrant acidity.  But its rapid ascent to fame created growing pains: the region has struggled to define what makes Priorat Priorat, while overzealous winemaking and the inclusion of international
varieties has led to a regional identity crisis. Fortunately, Priorat has nature on its side: its distinctive llicorella slate soil limits yields and provides these Mediterranean-climate wines with a distinct mineral freshness. Combine this with the extreme fluctuations in temperature between day and night and, an extremely dry, sunny climate, and you have the potential to produce rich yet vibrant reds.  Priorat: troubled times The timing of Priorat's emergence as a fine wine producer could be the source of some of its nascent troubles. Its renaissance coincided with the heyday of Robert Parker and a global demand for reds with masses of new oak, super-ripe grapes and intense extraction to
maximise colour and tannin. It wasn't just the winemaking trends of the '90s that saw Priorat become the most intense, powerful and overbearing wine in Spain. Valentí Llagostera, founder of Mas Doix, explains that it had long been a supplier of bulk wine and a blending partner to bolster weaker wines from cooler climates – adding concentration, power and alcohol.  Lacking a tradition of fine winemaking, the idea of what a Priorat wine should be was fluid. Consequently, it became a region producing many different styles, leaving the wine drinker confused. Llagostera adds that the region had a real inferiority complex, with many growers
believing if the wine wasn’t big, powerful and as intense as possible, it wasn’t Priorat. This mentality also led to the incursion of international varieties: Cabernet Sauvignon, Merlot and Syrah were planted, in a bid to emulate the success of Bordeaux and the Rhône.  From the industrial to artisan Industrial-like estates, predominantly based in Rioja, have not been interested in reflecting a specific place but rather more focused on producing a homogenised house style with grapes sourced from as far as 300km away going into the same wine. This approach is therefore completely at odds with the concept of terroir. It is common for older vines to be uprooted to maintain high production levels and wines to undergo lengthy ageing in oak barrels to create greater homogeneity. "Spanish wines made in this way are more about a process than a place," according to Luis Gutiérrez, The Wine Advocate's critic for Spain.  Of course this homogenised style proves incredibly popular: Rioja remains one of the most
successful wine exporters thanks to its reliability and high volumes, offering value for money. However, wine lovers have become increasingly discerning; there is more demand for wines with a sense of place, whether they hail from a plot of old vines or from an indigenous variety. Priorat’s move towards a fresher, more elegant style is part of a wider movement in Spain. There's a revolution underway, with a younger generation of vignerons who have actively rejected the larger estates' approach, instead they're focusing on crafting unique wines with a strong sense of place, whether it be the saline-rich, volcanic soils of Tenerife to the high-altitude mountain-vine Garnacha from the Gredos Mountains, or the incredibly vibrant, taut perfumed wines of Ribeira Sacra.   The intensely concentrated yet mineral wines of Priorat should fit into this more terroir-driven movement. The unique slate soil, Priorat's mountainous landscape and old vines meant that it
was not possible for the region to become a Rioja lookalike. The trend toward fresher, more mineral wines aligned with a rediscovery of the region's indigenous varietals (Cariñena and Garnacha) has allowed Priorat to experience a second coming. Could Priorat be on the verge of discovering its true self? Will the real Priorat please stand up? Llagostera feels there is plenty of room for experimentation in search of Priorat's true identity. The team at Mas Doix is carrying out many trials, including ageing wines in amphora, maturing Garnacha in larger barrels to avoid oxidation, and fermenting in wooden vats to
achieve greater textural sophistication. There are also more radical approaches: German native Dominik Huber of Terroir-Al-Limit doesn't destem his reds, instead practising whole-bunch fermentation, leading to an intensely fresh style. Huber believes it required a generational change before Priorat could find its new identity. Despite the varied stylistic interpretations, the goal is to better understand Priorat's voice not disguise its raw beauty. Explore all Mas Doix listings or read more Editorial 

We talk to Mais Doix’s founder Valentí Llagostera about Priorat’s identity crisis and how a new generation of Spanish winemakers is putting the focus firmly on terroir

Mais Doix’s founder Valentí Llagostera on Priorat’s identity crisis and how a new generation of Spanish winemakers is putting the focus firmly on terroir

A new Priorat dawn

Priorat: a new dawn

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